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Soirée organisée par l’Eglise Protestante Unie. Soupe à l’oignon servie à l’issue de la représentation.
Contact : buron.vincent@acsj.fr / 04 78 45 30 58 / 06 86 47 03 76
Temple du Change, place du Change Lyon 5e,
vendredi 7 février 2014, à 20h30.
Les nouveaux Délégués de SIGNIS Europe (de gauche à droite) : Ana Lanuza Avello, Doulas Fahleson, àkos Kovà¡cs, Antonio Urrata, Théo Péporté, Magali Van Reeth, Joachim Opahle.
L’Assemblée a accueilli des participants d’Allemagne, Angleterre, Belgique, Espagne, France, Hongrie, Irlande, Italie, Luxembourg, Malte, Pays-Bas et république Tchèque. Ils ont participé à des ateliers sur le web 2.0 et l’audiovisuel, une démonstration d’essais virtuels sur le cinéma, et une rencontre avec des producteurs espagnols.
d’Anthony Chen
Singapour, 2013, 1h39
Festival de Cannes 2013, Quinzaine des réalisateurs, Caméra d’or
Sortie en France le 4 septembre 2013.
avec Angeli Bayano, Koh Jia Ler, Yeo Yann Yann, Chen Tianwen.
Singapour 1997. Teresa a laissé son enfant aux Philippines pour être domestique dans une famille plutôt aisée et qui la traite relativement bien. Les deux parents travaillent, un nouveau bébé doit bientôt arriver et Jiale, 10 ans, est un gamin mal élevé qui n’a aucune envie de partager sa chambre avec cette intruse. Ilo Ilo est le récit délicat d’une rencontre entre cet enfant borné et une femme qui sait qu’elle a tout à perdre si elle est trop maladroite avec lui. Comme elle ferait avec un animal sauvage, Teresa va apprivoiser Jiale et faire entrer le spectateur dans l’intimité de leur vie. Et de la vie de la classe moyenne de Singapour, à la veille d’une rude crise économique. Un pays où il faut parler anglais pour avoir l’air éduqué et où une compatriote lance à Teresa : « Oublie ton chapelet, ici Dieu n’existe pas ! »
C’est un récit d’enfance et d’immigration assez juste. Il rend hommage à ces femmes discrètes qui viennent chercher de meilleurs salaires en pays inconnu. Les deux actrices principales sont très célèbres dans leurs pays respectifs : Yeo Yann Yann à Singapour et Angeli Bayano aux Philippines. Ilo Ilo a obtenu le prix de la Caméra d’or au dernier Festival de Cannes. Ce prix récompense le meilleur premier film présenté dans 4 sections : la compétition officielle, la section Un Certain Regard, la Quinzaine des réalisateurs et la Semaine de la critique. Sans être un chef d’œuvre, le film montre qu’à Singapour, on peut faire autre chose que des comédies populaires ou des films d’horreur.
La galerie Jean-Louis Mandon, propose
Une présentation lecture de l’oeuvre : « Soulages/Variations » par
Pierre Lacôte et Geneviève Vidal.
entrée libre
3 rue Vaubecour 69002 Lyon – 0630874755
jeanlouismandon@yahoo.fr
http://www.galeriejeanlouismandon.com/Accueil.html
Dans LE NOMBRE DE LA LUMIERE, Geneviève Vidal écrivait : « Neuves fractures / ruptures aux lignes franches / à qui sait lire / inscrivent des lettres armoriées / car la terre s’ouvre / vivante en travail ». Il est frappant de constater combien chaque recueil participe d’une construction plus vaste, annonce celui qui suit, pose en quelque sorte sa pierre à l’édifice ; combien il témoigne d’une aventure peu commune dans la sensibilité où la formation philosophique du poète résout mais sans la tarir l’énigme des incessantes « fractures », comme du « lézardé crevé » et du « rouge fouillis » dont son SOULAGES / VARIATIONS fait état. Ainsi son Musée Imaginaire auquel elle nous convie dans le présent ouvrage est-il à la fois l’aboutissement d’une pensée sur l’art et le consentement au désordre d’une création plurielle, celle du peintre – elle-même dédoublée, l’exposition Pierre Soulages au Musée des Beaux-Arts de Lyon ayant inspiré les variations du plasticien Pierre Lacôte – et la sienne propre. Rien n’est figé, donc. Les tableaux et les poèmes ne cessent pas de se répondre et de suggérer à la fois de nouvelles architectures et d’incontournables ruptures. On sait bien combien la mise en regards, dans un livre, d’un artiste et d’un poète, loin d’être une illustration de l’un par l’autre, engage au contraire un dialogue, un hors-texte comme un hors-image. D’où l’importance de rappeler ici la survenue concomitante « des lettres armoriées » et de cette « terre [qui] s’ouvre / vivante en travail », précisant d’une part que l’aventure de la création est une mise en abyme, un risque d’abord humain car selon le photographe Gérard Gascuel : « L’artiste véritable sait qu’il doit travailler sur lui avant de conquérir la matière » – et la philosophie avec la posture méditative qui est la sienne, correspond, pour Genviève Vidal, à un travail sur soi – ; d’autre part, que l’œuvre regardée ou lue, ne cesse pas de produire ses effets et que tout regard ou lecture, en retour, la travaille. En ce sens, il n’est pas anodin que le poète emploie dès ses premières pages le verbe « œuvrer » et répète d’une manière quasi incantatoire, dans un poème ultérieur, « œuvre au noir / œuvre au blanc / œuvre au rouge », faisant ainsi percevoir à son lecteur le travail alchimique en cours, le vivant, le remuant auquel tout créateur s’affronte, nous ramenant aussi à René Char lorsqu’il évoque « la couleur noire [qui] renferme l’impossible vivant. Son champ mental est le siège de tous les inattendus. »
Inattendus, voilà bien un mot qui pourrait figurer au lexique de ce Musée Imaginaire ! En écho, nous parviennent les « partages », « parages », « passages » comme les « croiser » ou « permuter » de G. V. qui, par le choix de ces mots réitère la question fondatrice du recueil : qu’est-ce que regarder si ce n’est entrer dans cette relation complexe entre le « déjà vu » – d’où le texte liminaire « On dirait du Dali / du Magritte / du » – et le « à voir », entre découvert et re(dé)couvert ? C’est en quelque sorte faire du savoir non un élément fixe et indétrônable mais une pierre d’achoppement et de questionnement. En tant que poète, l’auteur choisit de manifester son étonnement, capacité primordiale, « Emotion / à se trouver devant / face à face » et, à l’instar du titre de l’ouvrage, activer le processus des variations. Comment dès lors, dans le texte précité – « œuvre au noir / œuvre au blanc / œuvre au rouge » – ne pas percevoir dans la scansion, à la fois une nomination et une injonction, à savoir un emploi du mot « œuvre » en tant que substantif comme en tant qu’impératif ? Dans ce même texte, l’auteur nous décrit métaphoriquement le travail sensible et intellectuel par l’érosion des rochers, la germination de la terre ou les métaux en fusion, rattachant sa propre genèse et sa création d’un monde à la création du monde, reliant le « faire » au « se faire », ce que la citation liminaire de Pierre Soulages engageait déjà : « C’est ce que je fais qui m’apprend ce que je cherche ». Et à cet égard, l’enchevêtrement des traits de Pierre Lacôte inscrit comme une traçabilité de l’invisible. Son « outrenoir » à la fois trame, resserre, établit des jonctions, des soudures et trahit des perspectives et des blancs – des trouées serait plus juste – par lesquels les permutations ont lieu, les « lettres armoriées » jaillissent, recréant un alphabet éminemment poétique parce que subversif. Le château de lettres construit au fil des dernières pages, que nous dit-il ? « L’évidence de la rencontre » – entre les artistes – et en même temps l’évidence de la mort à l’œuvre, avec en filigrane le suicide de Rothko tout autant que cette solide amitié qui l’a lié à Soulages et que G . V. rappelle. Le noir – « où s’origine le noir » constate et/ou interroge le poète ; « A noir », disait Rimbaud – constitue sans doute ce « lieu sacré au-delà de toute imagerie », départ de la forme comme de la lettre, Topogramme, selon le mot inventé de Pierre Lacôte, moment à l’aplomb du « néant » dont le paradoxe du « rayonnement intense et sombre » réaffirme le danger et sa nécessité conjointe de la « fracture », de la « ténèbre » comme de l’effondrement du château de lettres Les Variations prennent ce risque, n’hésitant pas à diversifier les synonymes de « travailler » et d’ « œuvrer » avec « fertiliser » ou « densifier » ou encore « iriser » comme avec « charrier » et « grouiller » qui abolissent l’architecture, désordonnent et décomposent, modalités – toujours – du « Vertige de l’inconnu », cette quête du poète.
Chantal Danjou
De Felix Van Groeningen
Belgique, 2012, 1h50
Prix Signis au Festroia 2013 (Portugal)
Sortie en France le 28 août 2013.
avec Veerle Baetens et Johan Heldenbergh
Le film débute par une histoire d’amour classique entre deux personnages détonants et atypiques. Elise tient une boutique de tatouages et son corps est une réclame vivante pour cet art qu’elle pratique avec brio. Didier joue du banjo dans un groupe de bluegrass. C’est solitaire, un barbu hirsute qui habite une caravane dans un coin de campagne humide (on est en Belgique). La passion va les enflammer jusqu’à l’arrivée d’une petite fille. Après le temps des ajustements, arrive la mort qu’on n’attendait pas si tôt.
Au cœur du film, deux thèmes sont tissés avec brio autour de cette famille dévastée par le drame. D’une part la fascination sans borne de Didier pour l’Amérique. Une Amérique mythique, aux couleurs claquantes, celle de la musique qu’il pratique avec passion et qui allume des étoiles dans ses yeux. Une Amérique de grands espaces et de rêves infinis, avec des Indiens, authentiques et valeureux. Mais Didier n’y a jamais mis les pieds – pourtant chaussés de bottes de cowboy – et il va trébucher dans l’ère Busch junior où le fait religieux devient prétexte à un conservatisme grinçant qui s’accommode mal avec son idéal de liberté.
L’autre thème est celui du rituel face à la mort. Pour Didier, seules la science et la raison permettent de comprendre le monde dans lequel il vit et il n’y a rien après la mort. Il est farouchement opposé à toute forme de religion et de superstition. Elise, bien que non pratiquante, est plus sensible aux rites traditionnels, aux signes, aux talismans et lorsque la mort s’annonce, elle est prête à tout essayer et à mélanger les rituels de toutes les croyances pour l’aider à supporter son chagrin.
Cette question des rituels face à la mort est épineuse dans une société occidentale où les individus sont fortement déchristianisés et, en général, pas assez solides pour affronter le bouleversement de la mort d’un proche. Sous l’apparente simplicité de la provocation, Alabama Monroe la traite avec finesse. Confrontés à leur douleur, et à leurs positions radicalement différentes, Didier et Elise ne peuvent plus trouver, même dans la musique, la complicité et la consolation qui leur permettraient de faire le deuil et de trouver la force de continuer à vivre.
Dans le style percutant qui lui est propre (on se souvient de La Merditude des choses, 2009), Felix Van Groeningen réussit un film puissant sur ce sujet complexe. Emerveillé par la joie et le dynamisme de la première partie, on s’enflamme avec l’histoire d’amour d’Elise et Didier et notre cœur bat au rythme entrainant de leurs chansons. Sonné par le dénouement, on apprécie de reprendre pieds dans la dernière scène. Avec ses amis musiciens, Didier trouve enfin le rituel pour se départir de son arrogance et accepter le mystère de la mort.
Sélectionné dans de nombreux festivals, sous le titre The Broken Circle Breakdown, ce film a obtenu le prix du public à la Berlinale de 2013. Au Festroia, le festival du film de Setubal au Portugal, où il était en compétition officielle, il a remporté le prix Signis, le Dauphin d’or de la compétition et le prix Fipresci. Ce film est en sélection pour le prix LUX du parlement européen, qui sera décerné en décembre 2013.
D’Arnaud Des Pallières
France/Allemagne, 2013, 2h02
Festival de Cannes 2013, sélection officielle
Sortie en France le 14 août 2013.
avec Mads Mikkelsen, Mélusine Mayence, Bruno Ganz, Denis Lavant.
Arnaud Des Pallières est un cinéaste discret et exigeant dont les films sont peu connus du grand public. Michael Kohlhaas, sélectionné en compétition officielle au dernier Festival de Cannes, est une belle façon d’aborder son cinéma. Combat d’un « assoiffé de justice » contre les abus du pouvoir en place, il est inspiré du roman éponyme écrit par Heinrich Von Kleist et il se déroule au 16ème siècle en Europe. La noblesse et le clergé règnent sur les paysans, une classe intermédiaire commence à apparaître, et les idées de Calvin et Luther se répandent dans les endroits les plus escarpés.
Michael Kholhaas est un marchand de chevaux, propriétaire de sa maison et des terres qui l’entourent. D’origine étrangère, il traite bien ses valets et ses bêtes et commerce avec les nobles. Le début du film nous apprend qu’il sait tenir son rang, qu’il sait lire et qu’il ne lit pas la bible en latin mais « dans sa langue ». Il a une relation très affectueuses avec sa fille et très tendre avec sa femme. On comprendra plus tard qu’elle s’appelle Judith et qu’elle est juive. Même si le contexte religieux est mis en place avec beaucoup de discrétion et qu’il n’est pas au centre des revendications de Michael Kholhaas, il est pourtant un des éléments clés du film. La révolte du personnage principal est celle d’un homme honnête qui ne ne veut que son droit, rien de plus. Mais pour l’obtenir, il est prêt à tuer tous ceux qui lui ont fait du tort, et emporter dans sa guerre tous les miséreux et humiliés d’une époque qui en comptait beaucoup. Sa folie fanatique sera tempérée par un prédicateur, un pasteur à la robe tâchée de boue, qui parle d’une autre justice, celle de Dieu. Il connaît la détresse des paysans mais il connaît aussi le cœur des hommes, les ravages de la violence et la puissance du pouvoir temporel.
Michael Kohlhaas est un film « protestant » C’est l’histoire d’un homme qui proteste et qui sera amené à repenser la forme de sa révolte. C’est un film à la beauté âpre et rugueuse où la plupart des scènes sont tournées dans des paysages magnifiques mais rudes, des montagnes de rochers, des forêts inextricables, des landes désertiques soufflées par les vents du Nord. La lumière et la photo de Jeanne Lapoirie leur donnent une intensité spirituelle qui appelle au dépouillement et à la contemplation, qui renforce la complexité de la quête de l’homme pour trouver sens à sa vie, pour trouver Dieu dans la détresse quotidienne. Dans les palettes de l’aube ou du crépuscule, dans les couleurs chatoyantes de l’automne, la mise en scène sait éviter le lyrisme inutile, les dialogues redondants et les explications pesantes. Du cinéma intelligent qui connaît l’importance du détail et la place fondamentale des comédiens.
Arnaud Des Pallières a soigné le choix de ses acteurs. C’est Mads Mikkelsen, l’acteur danois de La Chasse, qui donne à Michael Kholhaas la force sereine d’un homme blessé, devenu fanatique par principe moral. Autour de lui, pour retrouver le parfum d’une Europe en chantier, Sergi Lopez, Bruno Ganz, Denis Lavant, Jacques Nolot, David Kross ou Swann Arlaud. Des hommes au visage et physique impressionnant, mélange de langues, d’accent et de personnalités fortes qui se répondent en harmonie. Des acteurs incarnant leurs rôles avec intensité, même lorsqu’ils ne sont que 5 minutes à l’écran. Dommage que les trois actrices principales – Mélusine Mayence, Delphine Chuillot et Roxane Duran – aient elles le même physique frêle et des traits quasi interchangeables.
Film en costume, film de guerre et d’acteurs, et œuvre lumineuse, Michael Kohlhaas pose avant tout la question de la justice. Le droit est-il là pour protéger un individu ou pour contrôler les règles qui permettent au plus grand nombre d’individus de vivre ensemble sans s’entretuer ? Au 16ème siècle comme aujourd’hui, la réponse est délicate. Arnaud Des Pallières nous donne des éléments de réflexion et, surtout, un beau moment de cinéma.
à l’église de Saint-Polycarpe – 25 rue René Leynaud 69001 Lyon
Recréation contemporaine de musique sacrée oubliée – polyphonie sacrée portugaise (manuscrits inédits)
Répons de l’office de matines de Noël en alternance avec d’autres pièces sacrées issues du Monastère de la Sainte Croix de Coimbra) par Tiago Simas Freire
Chaque film est introduit et suivie d’une discussion à la fin de la projection.
Les séances ont lieu à 20h30 et sont ouvertes à tous. Entrée 10 rue François Dauphin, sur le côté de l’église Saint François de Sales.
27 novembre : 2046 de Wong Kar-Wai (2004) avec Tony Leung Chiu Wai, Gong Li
22 janvier : L’Homme de la plaine (The Man from Laramie) d’Anthony Mann (1955) avec James Stewart, Arthur Kennedy
26 février : Journal intime (Caro Diario) de Nanni Moretti (1994) avec Nanni Moretti, Giulio Base
16 avril : L’Evangile selon Saint Matthieu (Il Vangelo secondo Matteo)de Pier Paolo Pasolini (1964) avec Enrique Irazoqui, Margherita Caruso
28 mai : Il est plus facile pour un chameau… de Valeria Bruni Tedeschi (2003) avec Valeria Bruni Tedeschi, Chiara Mastroianni
25 juin : La Party (The Party) de Blake Edwards (1968) avec Peter Sellers, Claudine Longet
Contact : Didier Lamy 69lamy@gmail.com
Voir aussi le site de la paroisse presqu’ile sud en cliquant ici
• Mardi 24 septembre 2013 à 19h30
Entre théâtre et danse, la thématique de l’exil. Par la Compagnie « Des étoiles plein les poches ». « Faire sa valise : Partir ? Ne pas partir ? Ne jamais revenir ? »
Entrée : 10 €, 5 € pour les étudiants
E-mail : accueil.stnom@gmail.com
[->www.agoratetedor.com]
Le projet de l’agora tête d’or est d’être un lieu public, ouvert le plus largement possible à tous les courants de notre temps, avec le souci de rejoindre nos contemporains dans leurs interrogations les plus essentielles.
Les frères dominicains, associés à des amis laïcs, en ont la responsabilité et les locaux du couvent des dominicains accueillent l’ensemble des activités proposées.
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