de Gerardo Naranjo

avec Stephanie Sigman, Noe Hernandez.

A travers le parcours tragique d’une jeune femme aux mains des trafiquants de drogue, le constat déprimant mais lucide de la mainmise des criminels sur l’état mexicain. Du cinéma puissant et rigoureux.

Pour le spectateur, Miss Bala peut être une expérience déprimante par la situation qu’il met en scène. Ce malaise n’est, bien sûr, rien à  côté de ce que vivent de trop nombreux Mexicains chaque jour. Le film nous donne pourtant deux bonnes raisons d’espérer. D’abord, il est heureux que le film existe et que certains artistes au Mexique aient eu le courage de dénoncer cet état de fait. Ensuite, la qualité artistique du film est telle qu’on reste soufflé par la maîtrise de la caméra, de la mise en scène et du jeu des acteurs.

Parmi les producteurs de Miss Bala, on trouve les acteurs Gael Garcia Bernal et Diego Luna. Avec le réalisateur Gerardo Naranjo, ils dénoncent la situation catastrophique qui s’est peu à  peu installée au Mexique depuis une dizaine d’années. Le marché de la drogue est devenu si productif que les chefs de clan peuvent se permettre de tenir tout le pays et les forces de police par des pots de vin faramineux et un état de terreur quasi permanent sur la population. Parce que le gouvernement en place n’est plus capable de mener une politique sociale cohérente, ni d’assurer la justice, les assassinats de ceux qui tentent de résister, qu’ils soient élus locaux, militaires ou citoyens ordinaires, femmes ou enfants, sont quotidiens.

Miss Bala, c’est Laura, une vingtaine d’années, une famille modeste, à  l’abri des tourments politiques. Avec sa copine, elles décident de participer au concours de miss. En se rendant sur place, elle assiste à  une fusillade et se retrouve, terrorisée, aux mains des trafiquants de drogue. Tremblante de peur, incapable de réagir, elle devient peu à  peu une marionnette aux mains de ceux qui n’ont aucune compassion pour elle.

Si la violence physique (fusillades, viol, tortures, assassinats) est plutôt brève et montrée sans insistance, le film suit la longue descente aux enfers de Laura. Comment une jeune femme « bien » peut se retrouver à  faire des choses épouvantables. La souffrance de Laura est palpable, son regard effrayé, sa respiration saccadée et le tremblement de ses jambes traversent le film comme une longue plainte. Avec elle, on ressent parfaitement ce que c’est de ne pas savoir comment agir, d’avoir à  choisir entre la peur et le dégoût, le ventre noué et la gorge serrée parce qu’il n’y a plus personne à  qui se confier. L’actrice Stephanie Sigman, dont la silhouette souple évoque ces rameaux frêles qu’on ne rompt pas facilement, donne au film une grâce particulière et on reste longtemps hanté par le terrible renoncement que son personnage doit accepter.

Ce qui est féroce et déprimant, ce n’est pas le film mais bien la réalité qu’il montre : un pays corrompu qui sacrifie ses enfants au nom de la cupidité, brouillant l’idée même du bien et du mal pour toute une génération.

Magali Van Reeth

Signis

de Djo Tunda Wa Munga

avec Patsha Bay, Manie Malone, Hoji Fortuna.

Un polar congolais qui permet d’entrer de plein fouet dans la fournaise de Kinshasa, en compagnie de personnages redoutables. Un vrai talent de cinéaste, une dose d’humour et un réquisitoire implacable contre la corruption.

Ces dernières années, très peu de films ont été tournés dans le continent africain, hormis le Maghreb, et ils sont encore plus rares à  sortir dans les salles européennes. Aussi, l’arrivée de Viva Riva! dans les salles françaises est une excellente nouvelle !

Djo Tunda Wa Munga est un réalisateur congolais formé en Belgique qui s’est beaucoup démené pour tourner dans son pays, avec des acteurs essentiellement locaux, et en langue lingala. Viva Riva ! est un film noir, noir par les acteurs, noir par l’ambiance, noir par le constat qu’il dresse de la société congolaise.

Riva est un jeune homme qui vient de passer quelques années en Angola et qui revient en RDC après avoir dérobé un chargement d’essence à  son patron. Grâce à  la pénurie de carburant qui paralyse Kinshasa, il espère faire fortune en revendant les barils, et commence à  faire la fête avec les copains d’autrefois. L’ouverture du film est saisissante, une caméra fluide balaye la mégapole, glissant à  peine sur les clichés habituels – trains bondés, tas d’ordures, misère à  tous les carrefours et grosses voitures européennes – pour donner une véritable épaisseur à  la ville et ses habitants, dont les odeurs, les bruits et l’âcreté deviennent palpables et transportent immédiatement le spectateur dans un autre univers.

Si l’intrigue est assez simple, avec des rebondissements classiques (rivalité autour d’une femme), les personnages sont savoureux et l’humour désamorce toute leçon de morale. César, le patron angolais, impeccablement vêtu de blanc, fait preuve d’un mépris pour les Congolais digne des pires heures de la colonisation. Le pouvoir militaire est incarné par une « commandante », terrifiée à  l’idée de tuer quelqu’un. Le copain d’enfance lâche sa famille pour la promesse d’une virée nocturne, le prêtre de la mission est un redoutable financier et la belle que les hommes convoitent est la fille d’un prof d’histoire.

Parfois le réalisateur étire le film par quelques scènes de sexe et de bagarres un peu appuyées mais le portrait qu’il dresse de la corruption de son pays est sans appel. Le dollar est roi et pourri toutes relations, y compris au sein de la famille traditionnelle et il est souvent difficile de trouver des personnes de confiance. La fin du film voit tous les personnages – ou presque – rouler dans la poussière et le magot revient à  la seule personne encore innocente dans ce grand chaos qu’est le quotidien des habitants de Kinshasa.

Attention, ce film est interdit aux moins de 12 ans.

Magali Van Reeth

Signis

de Kore Eda Hirokazu

avec Koki Maeda, Ohshiro Maeda.

A travers le drame de deux frères au milieu de la séparation de leurs parents, une leçon lumineuse et douce, sur la quête d’un miracle qui pourrait changer nos destinées.

Au Japon, les drames sont souvent des catastrophes et dans les yeux d’un enfant d’aujourd’hui, la pire d’entre elles n’est pas un volcan en irruption, un tsunami ou une explosion atomique mais la séparation de ses parents. Deux jeunes frères se voient ainsi confiés l’un à  la garde de la mère, l’autre restant avec son père. Ils ont à  peine une dizaine d’années, sont très différents l’un de l’autre et souffrent des conséquences de cette séparation. Mais de façon différente. Koichi, l’aîné, est un garçon un peu triste, raisonnable et réservé. Ryunosuke est joyeux, malin et fantasque. A tous les deux, ils vont essayer de forcer le destin, dans une joyeuse escapade.

Il est dommage que le titre français est laissé de côté le « miracle » du titre japonais original Il y a bien longtemps que la France laïque adore les miracles et celui du dernier film de Kore Eda Hirokazu n’a rien de subversif. Deux jeunes frères séparés par le divorce de leurs parents tentent l’impossible pour réunir à  nouveau la famille. A ce souhait très contemporain que partagent tant d’enfants, il faut un miracle très actuel. Les médias abusant du vocable religieux lorsqu’ils parlent de la technologie moderne, le miracle imaginé par les enfants aura lieu lorsque deux trains à  grandes vitesse se croiseront. C’est l’énergie ainsi déployée qui permet à  l’impossible d’advenir, au miracle souhaité de s’accomplir.

Ancré dans un quotidien très japonais où on goûte des gâteaux de riz, où on se déchausse au seuil de l’appartement et où les enfants portent des uniformes pour aller à  l’école, I Wish nos vœux secrets résonne en chacun de nous, enfants ou adultes, dans notre quête effrénée du bonheur. Dans le voyage farfelu entrepris par Ryunosuke, Koichi et leurs copains, qui ne fonctionne qu’avec la grâce du cinéma, et où chacun attend quelque chose de différent, le miracle devient ce cheminement. Pour le réalisateur : « ils ont pris conscience qu’ils font partie de ce monde, eux aussi. C’est à  peu près à  ce moment-là  qu’ils apprennent aussi qu’il ne suffit pas d’aimer quelqu’un pour que cette personne vous aime en retour. Et si vous pouvez penser que cela fait partie de la vie, eh bien vous pouvez grandir en tant que personne. Les émotions qui côtoient le désespoir peuvent aider tout un chacun à  grandir. Personnellement, je pense que c’est cela, le miracle de la vie. »

Kore-Eda Hirokazu filme les enfants avec une délicatesse respectueuse, laissant apparaître les imperfections propres à  leur âge, leur insouciance naturelle et la gravité de leur implication. Le choix des acteurs est remarquable et tous forment une vraie bande autour des deux frères, complices, inquiets et joyeux à  la fois. Placé sous le signe de la catastrophe, le film est lumineux de bout en bout, avec une scène de pur bonheur au milieu d’un jardin de cosmos, où la fragilité des fleurs éphémères et colorées fait un écho poignant à  ces enfances si vite passées, si facilement brisées.

De par sa durée et son traitement, où les ellipses sont nombreuses et où beaucoup de questions restent en suspens, I Wish nos vœux secrets qui a pour personnages principaux un groupe d’enfants, n’est cependant pas un film destinés aux enfants. Au festival du film de San Sébastien (Espagne), ce film de Kore Eda Hirokazu a reçu le prix Signis et le prix du jury.

de Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval

Sortie en France le 4 avril 2012.

Entre utopie poétique et désenchantement politique, le portrait d’une jeunesse urbaine qui cherche à  construire d’autres façons de vivre ensemble, sur les vestiges d’une société ancienne.

De part sa forme et son sujet, ce film austère et poétique peut déranger certains spectateurs. C’est bien l’intention des réalisateurs, Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval. Regrettant les prises de positions politiques de leur pays face à  la question de l’immigration et de la libre circulation des individus, ils proposent une réponse radicale. Qui est aussi un manifeste pour redonner toute sa force à  l’art et à  la culture, sans lesquels l’Homme ne peut envisager un avenir.

Filmé dans une ville qui ne montre que ses escaliers, ses berges et ses tunnels, des lieux en marge et à  l’ombre du clinquant de l’urbanité habituelle, un groupe de jeunes gens tente d’inventer une nouvelle façon de vivre. Il y a Carmen et son appareil photo, Charles et son cynisme, Hussain le sans-papier afghan, Julio et son trop lourd sommeil. Mêlant la magie noire et les interpellations de la police, les histoires d’amour et la mélancolie de la modernité, Low Life tente de cerner les utopies d’une jeunesse désenchantée.

La forme même du film reflète à  la fois le chaos de cette société et la complexité de l’engagement de ceux qui la veulent. Dans une atmosphère évoquant la poésie de Gérard de Nerval, certains personnages semblent hantés par une indicible souffrance. Grâce à  un remarquable travail sur la lumière, le clair-obscur baigne la première partie du film et, à  la manière des maîtres flamands de la peinture classique, place une source de clarté dans les ténèbres de la ville. L’art pour éveiller notre conscience et nous inciter à  participer à  la destinée du monde dans lequel nous vivons.

Comme une plainte chuchotée dans la nuit, le film peut évoquer le désespoir. Mais pour Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval, le personnage de Charles s’inscrit dans la continuité d’un autre Charles, celui du film de Robert Bresson, Le Diable probablement (1977). Malgré l’atmosphère sourde et les événements tragiques qui se succèdent dans Low Life, Charles reste aux côtés de celle qui n’a plus voulu de son amour, pour la protéger et l’aider. Fidélité à  une alliance rompue ou désir de l’autre à  travers son engagement, c’est un avenir à  construire.

Magali Van Reeth

Signis