de Goro Miyazaki

film d’animation, tout public à  partir de 10 ans.

Avec un très beau graphisme, une histoire d’adolescence un brin mélancolique mais où les raisons d’espérer sont nombreuses.

Il n’est sans doute pas facile de faire des films d’animation quand on est le fils du célèbre réalisateur japonais Hayao Miyazaki. Ou peut être que si Toujours est-il que ce second long métrage de Goro Miyazaki est une belle réussite, beaucoup plus convaincante que son premier, Les Contes de Terremer, sorti en 2008. La Colline aux coquelicots se démarque clairement de l’univers du père et il vaut mieux le savoir avant d’y inviter de trop jeunes enfants : ils risquent de s’ennuyer ferme dans cette histoire où il n’y a ni monstre fantastique, ni aventure !

C’est avant tout un film d’ambiance et il nous plonge délicieusement dans une époque révolue mais pas si lointaine, le Japon à  la veille des Jeux olympiques de 1964. Les personnages principaux sont deux lycéens de Yokohama, Umi, la jeune fille, et Shun, le garçon. Au sortir des traumatismes de la deuxième guerre mondiale, le pays est en plein bouleversement et la contestation politique est présente dans les établissements scolaires. C’est donc sur fond de révolte et de désir d’indépendance qu’Umi et Shun vont se rencontrer.

Avec le graphisme propre au studio Ghibli, le réalisateur nous amène au plus près du quotidien des personnages. Les rites de la cuisine, du vieux réchaud à  gaz à  la boîte à  riz carrée, l’aménagement intérieur des maisons, avec ses cloisons de papier, les rues en pente où on conduit à  gauche, les étals de marché au crépuscule, tous les détails annexes au déroulement de l’histoire sont autant enchantement que dépaysement ! Ils ancrent Umi et Shun dans une réalité palpable et lorsqu’ils croquent dans un beignet, on salive avec eux. On tremble aussi dans cette fin d’adolescence où il faut à  la fois gérer les émois amoureux et les grandes questions existentielles qui secouent leur entourage. Que faut-il garder de la culture ancienne ? Qui sont nos pères ? Quelle place pour les femmes dans cette nouvelle société ?

Comme dans beaucoup de films d’animation japonais, on peut regretter les grands yeux ronds de tous les personnages mais on est vite sous le charme des plans plus larges, la mer où les paquebots croisent les petits bateaux de pêcheurs, la ville accrochée aux pentes qui semble aussi scintiller et le raffinement de la végétation. Comme dans beaucoup de films japonais, la catastrophe n’est jamais loin et le bonheur est toujours teinté de mélancolie. La Colline aux coquelicots est un film où il y a beaucoup à  voir et à  contempler, où le charme opère avec une grâce tranquille et où les personnages se construisent, comme dans la vraie vie, entre la douleur de la perte et la force de l’espérance.

Magali Van Reeth

Signis

de Cédric Kahn

avec Guillaume Canet, Leila Bekhti.

Un garçon charmant et plein d’énergie, une nouvelle histoire d’amour mais les occasions de trébucher sont nombreuses : un thriller social et affectif haletant !

A quoi sait-on, dès les premières images du film, que ça ne va pas être facile pour le personnage principal ? Que le mauvais sort, la malchance et les catastrophes vont lui tomber dessus « comme la misère sur le pauvre monde » ? C’est tout l’art d’une mise en scène réussie qui, dès le premier plan du film, instille de l’angoisse au cœur du spectateur dans une scène pourtant anodine où un homme demande du travail dans un restaurant chic.

Une Vie meilleure, c’est l’histoire d’un type bien, Yann, un garçon charmant même, quoique un peu impulsif. Il est plein d’énergie, veut changer de vie, et changer la vie, mais on comprend vite qu’il n’est pas né les poches pleines. Son enthousiasme, si séduisant pour la jolie Nadia, va lui faire enchaîner les maladresses et ses rêves de vie meilleure vont tourner au cauchemar.

Très vite, Cédric Kahn fait monter la pression. Il y avait longtemps qu’on n’avait pas fait autant corps avec un personnage de fiction, partagé ses angoisses et ses frayeurs. A travers les galères de Nadia et Yann où, comme dans la vraie vie, la spirale d’échecs s’accélère proportionnellement au montant du crédit. Mieux, le réalisateur joue avec les clichés des films de déchéance et, plusieurs fois mais souvent à  tort, on imagine la scène suivante, le geste de trop, l’instant fatal où il n’y aura plus de retour possible. On en vient même à  le souhaiter pour que cesse cette tension

Pour libérer le spectateur de l’intensité de ce film au rythme dense et rapide, des moments plus étirés concernent la relation entre Yann et le jeune garçon, Slimane, dont il a bien malgré lui la charge. Instants de complicité où se partagent la tendresse et la douleur, et qui montrent le bonheur d’être ensemble, même dans un environnement déchiqueté. En quelques scènes très réussies sous leur apparente simplicité, un lien affectif se construit entre un homme qui n’a pas d’enfant et un enfant qui n’a pas de père. Comme autour des baskets volées, véritable exercice de philosophie pratique où la morale et la survie s’opposent. La scène condense avec une fulgurance remarquable toute la dimension politique du film : comment vivre décemment lorsqu’on ne possède pas ce qui est considéré comme indispensable au bonheur dans la société occidentale actuelle ?

La construction de cette relation, où se créée un nouveau lien père/fils, donne un tout autre écho au film. Sans cela, Une Vie meilleure ne serait peut être qu’une autre descente dans les enfers du capitalisme. Plus subtilement, Cedric Kahn construit du lien affectif à  mesure que le personnage se perd dans les gouffres financiers. Bien que très réaliste, cette spirale de l’échec ne finit pas dans un mur. Autant le dire tout de suite à  ceux qui hésiteraient, ce film d’actions et de tensions se termine avec une pointe d’espérance.

La mise en scène brillante et le jeu de l’acteur principal, Guillaume Canet, permettent d’entrer pleinement dans l’histoire des personnages et dans les chemins complexes qui donnent des raisons d’espérer. C’est du grand cinéma où l’exigence artistique sert à  poser une question de société, tout en donnant au spectateur assez d’espace pour trouver lui-même des éléments de réponses.

Magali Van Reeth

Signis

d’Alice Rohrwacher

avec Yle Vianello, Salvatore Cantalupo, Anita Caprioli.

Une très jeune fille cherche la traduction de ces mots appris au catéchisme « Eli, Eli, lama sabachthani ? » qui résonnent étrangement dans son adolescence et dans la ville où elle vient d’emménager.

Dès les premières images du film, la réalisatrice nous intrigue. Nous sommes en Italie, un jour d’hiver gris et froid. Une procession catholique se prépare dans une ces friches urbaines, à  la fois en chantier et en ruines, signes d’une modernité désespérée. Même les haut-parleurs grésillent d’une façon insupportable Dans cette Calabre loin des clichés touristiques, une jeune fille de 13 ans, Marta, lumineuse par la finesse de son teint, la couleur de ses cheveux, et sa jeunesse, attire le regard.

Corpo celeste est le premier long-métrage d’une jeune réalisatrice italienne. Elle utilise finement la géographie d’une ville saccagée par manque d’anticipation et de moyens, avec le bouillonnement interne d’une adolescente devant faire des choix. Alice Rohrwacher : « Sous la maison de Marta, comme une cicatrice sur le ventre de la ville, court le lit d’une rivière asséchée (ou fiumara). C’est là  que les gens jettent tout ce dont ils n’ont plus besoin et qui pourrait servir à  d’autres. D’autres fiumari traversent la ville. Ils sont larges, presque toujours à  sec, formant des trous béants autour des maisons. En y regardant de plus près, ce ne sont pas des no man’s land, au contraire, ils sont plein de vie : de déchets bien sûr, mais aussi de jardins, de potagers secrets, de cabanes. Ce sont des endroits où la nature apparaît dans toute sa force et sa contradiction. Pour moi, c’est un lieu magnétique, ambigu et constamment en changement. Sans aucun doute un espace qui intrigue et attire Marta. Terrain de jeux pour des adolescents, comme des points à  l’horizon, leurs mouvements microscopiques la fascinent, bien au delà  de ce que lui propose son quotidien. Comment entrer dans cet espace, comment choisir à  quel monde appartenir ? »

Marta, qui a toujours vécu en Suisse, vient de revenir avec sa famille, dans son village d’origine. Cette émigration du retour est un phénomène récent. Soumis à  des difficultés économiques dans leur pays d’accueil, les Italiens reviennent chez eux où ils peuvent bénéficier du soutien de leurs familles. Marta se prépare à  la confirmation dans la paroisse du quartier, au sein d’une équipe où elle pourra se faire de nouveaux amis. La découverte d’un autre univers est source de richesse et de souffrance, elle réalise qu’elle peut faire des choix, qu’elle est entrain de quitter le monde de l’enfance.

Dans cette histoire, il y a aussi un questionnement sur la façon de faire église aujourd’hui. La paroisse où Marta prépare sa confirmation est gérée par un jeune prêtre, sans état d’âme, le regard porté sur une promotion, plus soucieux de comptabiliser les votes en faveur d’un candidat aux élections locales que d’élever ses ouailles vers des problématiques plus spirituelles. Il doit faire face à  ses paroissiens qui ne veulent plus d’une croix en néon derrière l’autel de l’église et réclament un crucifix traditionnel. Pendant ce temps, les catéchistes s’échinent à  faire apprendre par cœur les « réponses correctes » à  des adolescents qui ont du mal à  refouler la bêtise de leur âge Dans un très beau hameau ancien et désert, où Marta et le jeune prêtre viennent chercher un crucifix (dans le pur style des bondieuseries du 19ème siècle), un autre prêtre, plus âgé et encore plus solitaire, donne à  la jeune fille une autre clé pour comprendre la figure du Christ.

Si la réalisatrice porte un regard acerbe sur l’exercice de la religion catholique aujourd’hui en Italie, elle montre aussi qu’elle en connaît parfaitement les symboles et les enjeux. Le film se termine au matin de Pâques, par le passage de Marta à  travers l’eau d’un fiumara pour déboucher vers l’espace immense et plein de promesses de la mer.

Magali Van Reeth

Signis

d’Aki Kaurismaki

avec André Wilms, Katy Outinen, Jean-Pierre Léaud, Jean-Pierre Daroussin, Blondin Miguel.

Lorsque le célèbre réalisateur finnois s’installe en France le temps d’un film, il reconnait ce qui convient le mieux à  son univers. Et y trouve une touche de mélancolie joyeuse et pleine de charme.

A voir la ville du Havre, construite par l’architecte Auguste Perret à  la fin de la Seconde guerre mondiale, à  travers le regard d’Aki Kaurismaki, on réalise à  quel point c’est une évidence ! Une connivence idéale entre un réalisateur finnois à  l’humour froid, la tendresse réservée, la beauté austère, l’élégance rare et sans effet de manche, et une ville construite comme un défi aux destructions antérieures, pour que les habitants y soient simplement heureux au quotidien.

Pour parfaire le tableau, Aki Kaurismaki choisit les acteurs français qui s’intègrent le mieux à  son univers. Jean-Pierre Léaud avec qui il avait déjà  tourné ; André Wilms, au physique et au jeu si « kaurismakien » et Jean-Pierre Daroussin, dans le rôle du méchant qui n’arrive pas à  être vraiment méchant. Katy Outinen a fait le voyage de Finlande mais passe plus de temps à  l’hôpital qu’à  faire la soupe à  son mari.

On retrouve les thèmes habituels de Kaurismaki, où il installe ses personnages aux limites de la ville et du temps, brouillant ainsi les réels questionnements de société dans la fiction la plus pure. C’est la France d’aujourd’hui avec le problème des sans-papier dans une ville portuaire mais les cafés sont d’une époque révolue, comme les marchands de quatre-saisons et les cireurs de chaussures viennent d’un autre univers. Le réalisateur s’amuse visiblement et les clins d’œil sont nombreux, comme celui fait au réalisateur tchadien, Mahamat Saleh Haroun. Et va jusqu’au miracle pour parfaire ce conte doucement joyeux, moderne et savoureux.

Magali Van Reeth

Signis