Auteur/autrice : @dmin

de Jonathan Nossiter

documentaire

En Italie, quelques viticulteurs préfèrent travailler la terre et le vin comme ils leur chantent, plutôt que de se plier aux réglementations qui protègent plus les industries agro-alimentaires, que la qualité des produits.

Le film s’ouvre par une vue de La Chute d’Icare, tableau de Pierre Brueghel, célèbre par toutes les interprétations qu’on peut en faire. Le réalisateur Jonathan Nossiter ne donne pas d’explication mais le fait qu’Icare, personnage rêveur et inventif, tente de tutoyer les nuages dans l’indifférence générale, peut être une piste de lecture. A moins que ce ne soit le foisonnement de détails et de récits qui se côtoient dans cette peinture, comme dans le documentaire…

Résistance naturelle est une belle journée à  la campagne, une joyeuse conversation autour d’un bon repas et des vins étonnants. Les convives sont des viticulteurs italiens refusant l’appellation d’AOC qui ne leur permet pas de faire le vin qu’ils veulent. C’est à  dire des vins naturels, sans apport de sucre ou souffre, sans pesticide. Des vins qui ne se construisent pas « à  la cave » mais qui sont issus de grappes pas toujours conformes. Les convives sont Stefano Bellotti, Elena et Anna Pantaleoni, Corrado Dottori, Giovanna Tiezzi. Ce sont des artisans soucieux de ne pas épuiser la terre qu’ils travaillent, attentionnés à  l’ensemble de l’écosystème dans lequel ils vivent. Avec eux, Gian Luca Farinelli, directeur de la cinémathèque de Bologne, connue pour la restauration des films du patrimoine.

Le charme de ce film, au-delà  d’une salutaire prise de position en faveur d’un plus grand respect des richesses de la terre et du consommateur, c’est la liberté avec laquelle Jonathan Nossiter construit son film. Il s’attarde sur des détails n’ayant, en apparence, rien à  voir avec le sujet. Il filme un groupe d’enfants pataugeant autour d’une flaque de boue, un chien dans la cour de la ferme. Il nous fait profiter du spectacle d’un coucher de soleil dans les douces ondulations de la campagne toscane. Sa caméra sautille d’un visage à  l’autre, dégringole un escalier, joue à  cache-cache avec les verres de vin qui encombrent la table. Par moment encore, le documentaire s’interrompt pour des extraits d’autres films, célèbres ou non : Comizi d’amore de Pasolini, Max mon amour d’Oshima, Rome ville ouverte de Rossellini, Au Hasard Balthazar de Bresson, La Ruée vers l’or de Chaplin ou quelques extraits d’actualité. Pour le réalisateur, qui est aussi le monteur du film, c’est prendre acte « d’une joyeuse liberté de cinéaste qui m’a donné envie d’aller plus loin dans ces échanges entre deux mondes ».

A défaut de goûter le vin dont il est tant question dans ce documentaire, on goûte à  la liberté de ces artisans, amoureux de leur travail, capables de renifler une motte de terre pour s’assurer qu’elle n’est pas malade, de batailler pour restaurer un film, de prendre sa caméra pour filmer les battements du monde, sans se soucier de rentabilité. On sent la joie de créer sans détruire, on participe à  cette célébration de la nature dans toute sa splendeur. Bien qu’il n’en soit pas question ouvertement, Résistance naturelle parle aussi de ce que nous allons transmettre aux générations suivantes, cinéastes, parents ou agriculteurs.

Magali Van Reeth

SIGNIS

de Pascale Ferran

avec Anaïs Demoustier, Josh Charles.

Mélangeant plusieurs genres de cinéma, et ayant pour décor un aéroport international, un film sur la solitude contemporaine, où les envolées sont magiques.

à‡a commence comme un documentaire, dans les transports en commun parisiens. La caméra passe d’un passager à  l’autre sans qu’on reconnaisse un acteur, sans intention de récit. Avec une grande liberté, comme on n’a plus l’habitude de voir depuis que les réglementations sur le droit à  l’image empêchent les photographes et les réalisateurs de saisir le quotidien, la vraie vie. En prenant le métro et le RER, on arrive à  cet aéroport international que tous les Français appellent Roissy alors que les étrangers le connaissent sous le nom de Charles de Gaulle…

Juste au moment où on se sent un peu désorienté de ne pas être dans une fiction, le ton du film change et nous voici dans le chapitre Gary. Un Américain au visage doux, d’une quarantaine d’années, venu pour une réunion. Quelques heures avant de reprendre l’avion suivant pour une autre réunion dans un autre pays, il décide de rester. A l’hôtel, dans ce pays-là , dans cet instant-là . Le chapitre suivant est celui d’Audrey, et là  encore, le ton du film change. Audrey est une étudiante qui a abandonné la fac et fait des ménages dans un grand hôtel de l’aéroport. Elle n’a pas de vrai projet, pas d’amoureux, très peu de vie sociale. Mais une nuit, comme Cendrillon, elle va vivre des moments magiques et irréels.

Pascale Ferran revendique le côté hybride de ce film, tour à  tour documentaire, fiction et conte de fées, où les solitudes des personnages et des passants se croisent sans se rencontrer. A l’image du trafic incessant des avions, qui décollent et atterrissent sans jamais se toucher. Comme de gros insectes métalliques, ils suivent les lumières de la piste. Gary refuse un jour de rester « sur la piste », Audrey un soir « s’envolera » pour découvrir le monde autrement.

Mélange de genres, le film effleure sans les briser les mystères du monde actuel, sachant reconnaître la poésie d’un artiste peintre, la fureur croisée dans un wagon de métro, la pudeur d’un homme qui dort dans sa voiture, l’indifférence de ceux qui ne disent pas bonjour, le rire d’une collègue. Tout est réel, tout est mise en scène. A l’image de la dernière scène, comme au cinéma, une poignée de mains spontanée, souriante, où rien n’est figé, où le spectateur pense que tout est possible.

Comme pour son précédent long-métrage, Lady Chatterley (2006), Pascale Ferran a travaillé avec le chef opérateur Julien Hirsh. Cet artisan de la lumière est aussi à  l’aise dans la fiction en costume que dans le pseudo-documentaire. Il sait rendre magique une nuit à  l’aéroport, terrifiant un couloir d’hôtel, espiègle l’œil d’un moineau. Très bien interprétés par Anaïs Demoustier et Josh Charles, Bird People est un film aussi déroutant que charmant.

Magali Van Reeth

SIGNIS

de Diao Yina

avec Fan liao, Gwei Lun-Mei, Xuebing Wang.

« Charbon noir, glace mince » : c’est bien l’esthétique qui distingue et recommande ce film.

En 1999, un corps est retrouvé dispersé aux quatre coins de la Mandchourie. L’inspecteur Zhang mène l’enquête, mais doit rapidement abandonner après avoir été blessé lors de l’interpellation des suspects. Cinq ans plus tard, deux nouveaux meurtres sont commis dans la région, tous deux liés à  l’épouse de la première victime. Devenu agent de sécurité, Zhang décide de reprendre du service. Son enquête l’amène à  se rapprocher dangereusement de la mystérieuse jeune femme.

La scène d’ouverture scotche d’emblée le spectateur à  son fauteuil : dans une usine, la caméra suit le parcours du charbon qui devient l’objet d’une macabre découverte. Le réalisateur — également scénariste du film — se réfère à  la célèbre scène inaugurale de La soif du mal et exprime aussi son admiration pour Le troisième homme. Il choisit en effet le style du film noir plus que celui du simple polar.

Et c’est bien l’esthétique qui distingue et recommande ce film. Le titre d’origine en mandarin évoquait « Feux d’artifice en plein jour » retenant la remarquable scène finale mais l’intitulé du film en France « Charbon noir, glace mince » est bien évocateur de l’ambiance dans laquelle se noue cette intrigue : dans une petite ville industrielle du Nord de la Chine, la mine tient une place centrale et le premier crime se situe dans la touffeur de l’été. Mais ensuite le froid joue aussi un rôle important, durcissant la vie quotidienne et enveloppant les forfaits dans un mystère glacé. La longue séquence de poursuite à  la patinoire puis dans la campagne gelée se clôt en une élégante ellipse. Car c’est un mérite aussi de ce film de ne pas se complaire dans la violence : elle est toujours habilement distanciée par l’espace ou par le temps.

Cinq ans séparent les deux volets de cette histoire qui se déroule selon une mise en scène brillante : que représentent cinq années à  l’aune de la Chine millénaire ? Pas grand-chose, répond ce film où l’atmosphère morose d’une région déshéritée perdure comme la déprime d’un flic sans illusions. Quant à  la femme énigmatique qui connaît seule la vérité, sa fragilité renouvelle complètement la figure de la femme fatale.

Michèle Debidour

SIGNIS

de Jean-Pierre et Luc Dardenne

avec Marion Cotillard, Fabrizio Rongione

Avec une magnifique simplicité, les frères Dardenne transforment en aventure la quête d’une femme fragile pour retrouver son travail.

Un nouveau film des frères Dardenne, c’est à  chaque fois la certitude tranquille de retrouver une ambiance particulière, et la surprise délicieuse de les voir explorer une nouvelle façon de faire du cinéma. Avec Deux jours, une nuit, l’histoire se déroule, comme il se doit en Wallonie, dans les ruines de la classe ouvrière, où un problème moral, et très actuel, vient bousculer les protagonistes dans leur quotidien.

Au moment de reprendre son travail, après un arrêt pour maladie, Sandra apprend qu’elle sera licenciée à  l’issue d’un vote de ses collègues. Avec l’aide de Manu, son mari, elle a deux jours pour les faire changer d’avis. Si la trame narrative est conforme à  « la pâte Dardenne », on est surpris de voir Marion Cotillard dans le rôle principal. Bien sûr, dans leur précédent film, Le Gamin au vélo, c’est Cécile de France qui avait le rôle principal. Mais comme elle est belge, on pensait à  une amicale exception. Cela confirmait pourtant ce qu’on savait depuis longtemps : les Dardenne sont de très bons directeurs d’acteurs, célèbres ou non.

Aussi, on est ravi de voir le résultat avec une autre très grande actrice. Marion Cotillard se fond parfaitement dans le cadre de leur cinéma, arrivant à  faire oublier aux spectateurs tous ses autres rôles. Elle est juste Sandra, une jeune femme fragile, mère de deux jeunes enfants, travaillant pour payer le pavillon qu’elle a acheté à  crédit avec son mari cuisinier. Presque sans maquillage, avec une trace d’accent belge et un tremblement dans la voix, répétant inlassablement sa détresse et sa demande à  ses collègues. La peur au ventre et sans aucune confiance en elle, elle sonne aux portes, appelle. Pas une fois cela ne sonne faux ou répétitif, comme elle est toujours juste face à  Fabrizio Rongione qui joue son mari.

Deux jours, une nuit, c’est la violence au travail lorsque les conditions sociales et économiques laminent les individus pour des notions de profits et de rentabilité. C’est la fragilité des bons sentiments face au légitime désir de s’en sortir, de toucher un gros chèque pour payer les études des enfants, la facture du gaz. C’est la complexité du quotidien dans une société en crise.

Comme souvent, les réalisateurs ne jugent pas leurs personnages. Il n’y a pas les bons d’un côté et les méchants de l’autre. Il y a de vraies personnes qui font ce qu’elles peuvent. Des colères méchantes et des gestes bouleversants d’entraide. Il y a, dans Deux jours, une nuit, des plans séquences très réussis, des dialogues très simples qui disent beaucoup et surtout, une douceur inhabituelle.

Présenté en compétition officielle au festival de Cannes 2014, Deux jours, une nuit est sorti dans les salles de l’Europe francophone dès le lendemain. Occasion pour le jury œcuménique, qui fête cette année ses 40 ans de présence à  Cannes, de rendre un hommage aux frères Dardenne pour l’ensemble de leur œuvre. Retrouvez tous les détails et photos de cette cérémonie dans le site du Jury œcuménique.

Magali Van Reeth

SIGNIS