Catégorie : Archives antérieures à 2017

de Kore Eda Hirokazu

avec Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yoko Maki, Lily Franky.

Confronté au drame d’un échange d’enfant, un homme accaparé par son travail et ses idées préconçues, va apprendre comment devenir physiquement père.

Dans une grande ville du Japon, Keita a 6 ans. C’est un petit garçon calme et délicat, qui fait son possible pour plaire à  ses parents, une maman disponible et souriante, un père un trop absorbé par son travail mais exigeant sur les performances scolaires et artistiques de son fils. La vie de Keita va être bouleversée à  partir du moment où ses parents sont convoqués à  la maternité où il a vu le jour. Au moment de sa naissance, il a été échangé avec un autre nourrisson. Cette découverte va plonger deux familles dans des moments douloureux et des sentiments complexes.

Kore Eda Hirokazu a, dans sa belle filmographie, fait plusieurs films sur l’enfance et la famille. Enfants livrés à  eux-mêmes avec Nobody Knows (2004), réunion de famille douce amère dans Still Walking (2008), deux frères déchirés par la séparation de leurs parents dans I Wish, nos vœux secrets (2011). Mais cette fois, si les enfants sont à  nouveaux au centre de l’intrigue du film, c’est l’un des pères qui en est le personnage principal. Interprété par le chanteur et acteur très célèbre au Japon, Masaharu Fukuyama, Ryota est celui que cette histoire d’échange de bébés va le plus transformer. D’abord persuadé que les liens du sang sont plus forts que tout, il pousse à  l’échange le plus rapide, provoquant la surprise effarée de l’autre père qui ne considère pas qu’on puisse troquer des enfants comme des poulets ou des salades

On peut regretter que les deux familles soient traitées de façon un peu trop caricaturale. Chez les riches, la décoration de la maison et les vêtements des parents et de l’enfant sont dans des teintes feutrées, des coloris convenables sur lesquelles le regard glisse. On comprend que la mère a démissionné de son travail pour devenir femme au foyer à  part entière, rôle qu’elle endosse avec une soumission parfois déroutante pour les spectateurs occidentaux. Dans la famille plus modeste, au contraire, les vêtements sont de couleurs vives et même criardes pour les chemises du père, la mère n’hésite pas à  rembarrer son mari et à  se moquer de lui. Et les trois enfants génèrent forcément du mouvement et de la joie. Chez eux, on répare ce qui est cassé et on montre son affection à  bras le corps alors que dans l’autre famille, on consomme et on ne se touche presque pas.

Malgré cela, Tel père, tel fils est un film touchant. Il traite avec justesse un sujet grave : comment devient-on père ? Refusant les rebondissements mélodramatiques, le réalisateur Kore Eda Hirokazu laisse à  ses personnages, et aux spectateurs, le temps de cheminer, de digérer l’incroyable. Si chaque famille est prête à  prendre les deux enfants, aucune ne peut se retrouver sans « son » fils. La souffrance infligée aux enfants ne peut laisser indifférents les parents. Lentement, et avec une mise en scène aussi brillante que discrète, chacun murit au gré des erreurs, les grands comme les petits. Même au Japon où la culture sociale et familiale est différente, la paternité n’est ni une évidence ni une question purement biologique.

Au dernier Festival de Cannes, où ce film était en compétition officielle, il a reçu le prix du jury et une mention spéciale du prix œcuménique.

Magali Van Reeth

SIGNIS

Café-ciné à  Saint-Bonaventure (Lyon)
jeudi 19 juin

Autour du film Bird People (France, 2014, 2h08), film de Pascale Ferran. En salle depuis le 4 juin 2014.

Ces cafés-cinés sont animés par des bénévoles de l’association Signis (association catholique mondiale pour la communication) : www.signis.net. Chacun voit le film de son côté (il n’y a aucune projection dans l’église), et nous nous retrouvons autour d’une tasse de café offerte par Saint-Bonaventure pour parler du film. Il s’agit à  la fois d’explorer quelques caractéristiques de l’écriture cinématographique et de partager impressions et questions de fond soulevées par le film.
Le rendez-vous est précisément à  12h30 et l’échange général s’arrête à  13h30 pour permettre aux personnes de rejoindre leur lieu de travail, même si certaines discussions informelles durent parfois au-delà 

Lyon 2e, sanctuaire Saint-Bonaventure, place des Cordeliers, une fois par mois, de 12h30 à  13h30.

Voir aussi le site du [sanctuaire Saint-Bonaventure->
http://www.saintbonaventure-lyon.catholique.fr/
[->http://www.saintbonaventure-lyon.catholique.fr/]].

de Katell Quillévéré

avec Sara Forestier, François Damiens, Adèle Haenel

De l’enfance à  l’âge adulte, le parcours contemporain d’une femme, entre résilience et amour fou. Un film elliptique parfaitement maitrisé, pour un grand moment de cinéma.

Une enfance banale à  l’ombre de la mort d’une mère, avec un père aimant et un peu maladroit, une sœur délicieuse et puis les choix qu’on fait, par envie, à  17 ans, sans se rendre vraiment compte de ce qu’ils impliquent, par amour passionnel un peu plus tard et toute une vie qui bascule du mauvais côté. Pour son second film (Un Poison violent, 2010), Katell Quillévéré confirme son talent de réalisatrice.

L’histoire de Suzanne se déroule pendant près de 25 ans. Elle est racontée avec beaucoup d’ellipses, ces silences entre deux scènes successives où le temps et les événements passent sans être montrés à  l’écran. Ici, ces ellipses sont radicales, représentent parfois plusieurs années et nous obligent à  entrer pleinement dans le film. Katell Quillévéré : « Oui, la construction d’un récit fondé sur l’ellipse était un des paris de ce film. Avec Mariette Désert, ma co-scénariste, puis Thomas Marchand, mon monteur, nous avons voulu créer un hors-champ très puissant qui rende le spectateur actif et lui permette de nourrir les trous de l’histoire avec sa propre expérience. »

Si les trois personnages principaux – Suzanne, sa sœur et leur père – vieillissent légèrement (et sans maquillage outrancier), c’est surtout l’enfant qui marque le temps qui passe, le temps irrémédiablement perdu et il est joué, lui, par plusieurs acteurs. La réalisatrice a choisi de donner à  Suzanne sa propre année de naissance, tenant à  filmer aussi sa génération, celle qui a 33 ans cette année. Elle dispose dans le décor, çà  et là , des objets caractéristiques de son enfance, de son adolescence, sans pour autant tomber dans une reconstitution trop rigoureuse. La musique donne aussi l’atmosphère de ces années passées, elle est la mémoire du film, les musiques des années 80 répondant aux musiques actuelles.

Pour compenser la sécheresse de ce film tout en ellipses, où un montage âpre renforce encore ce sentiment d’opacité, les personnages laissent souvent éclater leur émotion. Quand Suzanne est amoureuse, quand son père est blessé, quand sa sœur éclate de rire, ce n’est pas à  moitié. Les ressorts dramatiques sont nombreux et touchent le spectateur là  où c’est sensible : une mère absente, un enfant abandonné, une famille estropiée après un départ inexpliqué, une femme qui tombe, se relève et la scène finale de rédemption, aussi lumineuse qu’émouvante. On ne juge pas, on ne condamne pas, on souffre, on aime. L’amour est la constance qui parcourt le film et permet à  chacun de se reconstruire.

Deux ou trois plans inhabituels traversent le film, des plans larges, vus d’en haut, où la vie traverse le destin des personnages. Lorsque les nouveaux amoureux se séparent après leur premier rendez-vous, la caméra s’installe à  la fenêtre d’un immeuble et montre, de façon quasi documentaire, une rue où, sous l’œil indifférent des passants et de l’épicier, Suzanne et Julien n’arrivent pas à  se quitter. Sous une petite pluie, c’est une chorégraphie. Plus loin, la caméra s’attarde au dessus des voitures, et de leurs occupants, sagement rangées devant le ventre ouvert du ferry. Pour Katell Quillévéré, ces plans sont un hommage à  la photographie américaine des années 1960, lorsque la couleur devenait artistique, sans pour autant quitter le champ du documentaire. Dans ce film où le montage creuse les béances du scénario, cette irruption de la vraie vie devient presque physique, et donc très émouvante, pour le spectateur.

Suzanne est un film rigoureusement construit qui ravira les cinéphiles qui aiment se laisser embarquer dans une histoire où rien n’est évident, où on ne sait jamais à  l’avance ce qui va se passer dans la scène suivante. La réalisatrice nous emmène dans des lieux inhabituels : un champ de courses, une cafétéria d’autoroute, la cabine d’un gros camion et des pique-nique au cimetière. Elle se joue de certains clichés si utiles au cinéma (la sœur cadette est plus grande que l’aînée). Elle n’a pas peur de faire disparaitre le personnage principal car elle sait rendre sa présence à  l’écran dans le manque éprouvé par ceux qui restent.

Suzanne est le portrait d’une femme déroutante, que l’amour des siens sauve du désastre intérieur? C’est un beau film d’une jeune femme talentueuse.

Magali Van Reeth

Signis