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d’Anthony Chen

avec Angeli Bayano, Koh Jia Ler, Yeo Yann Yann, Chen Tianwen.

Entre désir de modernité et traditions, portrait délicat d’une famille de Singapour où chacun tente de faire bonne figure pour ne pas inquiéter les autres.

Singapour 1997. Teresa a laissé son enfant aux Philippines pour être domestique dans une famille plutôt aisée et qui la traite relativement bien. Les deux parents travaillent, un nouveau bébé doit bientôt arriver et Jiale, 10 ans, est un gamin mal élevé qui n’a aucune envie de partager sa chambre avec cette intruse. Ilo Ilo est le récit délicat d’une rencontre entre cet enfant borné et une femme qui sait qu’elle a tout à  perdre si elle est trop maladroite avec lui. Comme elle ferait avec un animal sauvage, Teresa va apprivoiser Jiale et faire entrer le spectateur dans l’intimité de leur vie. Et de la vie de la classe moyenne de Singapour, à  la veille d’une rude crise économique. Un pays où il faut parler anglais pour avoir l’air éduqué et où une compatriote lance à  Teresa : « Oublie ton chapelet, ici Dieu n’existe pas ! »

C’est un récit d’enfance et d’immigration assez juste. Il rend hommage à  ces femmes discrètes qui viennent chercher de meilleurs salaires en pays inconnu. Les deux actrices principales sont très célèbres dans leurs pays respectifs : Yeo Yann Yann à  Singapour et Angeli Bayano aux Philippines. Ilo Ilo a obtenu le prix de la Caméra d’or au dernier Festival de Cannes. Ce prix récompense le meilleur premier film présenté dans 4 sections : la compétition officielle, la section Un Certain Regard, la Quinzaine des réalisateurs et la Semaine de la critique. Sans être un chef d’œuvre, le film montre qu’à  Singapour, on peut faire autre chose que des comédies populaires ou des films d’horreur.

Magali Van Reeth

Signis

De Felix Van Groeningen

avec Veerle Baetens et Johan Heldenbergh

Il est parfois difficile d’évoquer la mort avec de jeunes enfants. Comme il est difficile de faire son deuil sans le secours des rituels, religieux ou profanes. Un film explosif qui pose des questions délicates.

Le film débute par une histoire d’amour classique entre deux personnages détonants et atypiques. Elise tient une boutique de tatouages et son corps est une réclame vivante pour cet art qu’elle pratique avec brio. Didier joue du banjo dans un groupe de bluegrass. C’est solitaire, un barbu hirsute qui habite une caravane dans un coin de campagne humide (on est en Belgique). La passion va les enflammer jusqu’à  l’arrivée d’une petite fille. Après le temps des ajustements, arrive la mort qu’on n’attendait pas si tôt.

Au cœur du film, deux thèmes sont tissés avec brio autour de cette famille dévastée par le drame. D’une part la fascination sans borne de Didier pour l’Amérique. Une Amérique mythique, aux couleurs claquantes, celle de la musique qu’il pratique avec passion et qui allume des étoiles dans ses yeux. Une Amérique de grands espaces et de rêves infinis, avec des Indiens, authentiques et valeureux. Mais Didier n’y a jamais mis les pieds – pourtant chaussés de bottes de cowboy – et il va trébucher dans l’ère Busch junior où le fait religieux devient prétexte à  un conservatisme grinçant qui s’accommode mal avec son idéal de liberté.

L’autre thème est celui du rituel face à  la mort. Pour Didier, seules la science et la raison permettent de comprendre le monde dans lequel il vit et il n’y a rien après la mort. Il est farouchement opposé à  toute forme de religion et de superstition. Elise, bien que non pratiquante, est plus sensible aux rites traditionnels, aux signes, aux talismans et lorsque la mort s’annonce, elle est prête à  tout essayer et à  mélanger les rituels de toutes les croyances pour l’aider à  supporter son chagrin.

Cette question des rituels face à  la mort est épineuse dans une société occidentale où les individus sont fortement déchristianisés et, en général, pas assez solides pour affronter le bouleversement de la mort d’un proche. Sous l’apparente simplicité de la provocation, Alabama Monroe la traite avec finesse. Confrontés à  leur douleur, et à  leurs positions radicalement différentes, Didier et Elise ne peuvent plus trouver, même dans la musique, la complicité et la consolation qui leur permettraient de faire le deuil et de trouver la force de continuer à  vivre.

Dans le style percutant qui lui est propre (on se souvient de La Merditude des choses, 2009), Felix Van Groeningen réussit un film puissant sur ce sujet complexe. Emerveillé par la joie et le dynamisme de la première partie, on s’enflamme avec l’histoire d’amour d’Elise et Didier et notre cœur bat au rythme entrainant de leurs chansons. Sonné par le dénouement, on apprécie de reprendre pieds dans la dernière scène. Avec ses amis musiciens, Didier trouve enfin le rituel pour se départir de son arrogance et accepter le mystère de la mort.

Sélectionné dans de nombreux festivals, sous le titre The Broken Circle Breakdown, ce film a obtenu le prix du public à  la Berlinale de 2013. Au Festroia, le festival du film de Setubal au Portugal, où il était en compétition officielle, il a remporté le prix Signis, le Dauphin d’or de la compétition et le prix Fipresci. Ce film est en sélection pour le prix LUX du parlement européen, qui sera décerné en décembre 2013.

Magali Van Reeth

Signis

D’Arnaud Des Pallières

avec Mads Mikkelsen, Mélusine Mayence, Bruno Ganz, Denis Lavant.

Au 16ème siècle, un homme se révolte et d’autres le suivent, parce qu’ils n’ont plus rien à  perdre. Dans de magnifiques paysages, la complexité d’un combat et de sa justification.

Arnaud Des Pallières est un cinéaste discret et exigeant dont les films sont peu connus du grand public. Michael Kohlhaas, sélectionné en compétition officielle au dernier Festival de Cannes, est une belle façon d’aborder son cinéma. Combat d’un « assoiffé de justice » contre les abus du pouvoir en place, il est inspiré du roman éponyme écrit par Heinrich Von Kleist et il se déroule au 16ème siècle en Europe. La noblesse et le clergé règnent sur les paysans, une classe intermédiaire commence à  apparaître, et les idées de Calvin et Luther se répandent dans les endroits les plus escarpés.

Michael Kholhaas est un marchand de chevaux, propriétaire de sa maison et des terres qui l’entourent. D’origine étrangère, il traite bien ses valets et ses bêtes et commerce avec les nobles. Le début du film nous apprend qu’il sait tenir son rang, qu’il sait lire et qu’il ne lit pas la bible en latin mais « dans sa langue ». Il a une relation très affectueuses avec sa fille et très tendre avec sa femme. On comprendra plus tard qu’elle s’appelle Judith et qu’elle est juive. Même si le contexte religieux est mis en place avec beaucoup de discrétion et qu’il n’est pas au centre des revendications de Michael Kholhaas, il est pourtant un des éléments clés du film. La révolte du personnage principal est celle d’un homme honnête qui ne ne veut que son droit, rien de plus. Mais pour l’obtenir, il est prêt à  tuer tous ceux qui lui ont fait du tort, et emporter dans sa guerre tous les miséreux et humiliés d’une époque qui en comptait beaucoup. Sa folie fanatique sera tempérée par un prédicateur, un pasteur à  la robe tâchée de boue, qui parle d’une autre justice, celle de Dieu. Il connaît la détresse des paysans mais il connaît aussi le cœur des hommes, les ravages de la violence et la puissance du pouvoir temporel.

Michael Kohlhaas est un film « protestant » C’est l’histoire d’un homme qui proteste et qui sera amené à  repenser la forme de sa révolte. C’est un film à  la beauté âpre et rugueuse où la plupart des scènes sont tournées dans des paysages magnifiques mais rudes, des montagnes de rochers, des forêts inextricables, des landes désertiques soufflées par les vents du Nord. La lumière et la photo de Jeanne Lapoirie leur donnent une intensité spirituelle qui appelle au dépouillement et à  la contemplation, qui renforce la complexité de la quête de l’homme pour trouver sens à  sa vie, pour trouver Dieu dans la détresse quotidienne. Dans les palettes de l’aube ou du crépuscule, dans les couleurs chatoyantes de l’automne, la mise en scène sait éviter le lyrisme inutile, les dialogues redondants et les explications pesantes. Du cinéma intelligent qui connaît l’importance du détail et la place fondamentale des comédiens.

Arnaud Des Pallières a soigné le choix de ses acteurs. C’est Mads Mikkelsen, l’acteur danois de La Chasse, qui donne à  Michael Kholhaas la force sereine d’un homme blessé, devenu fanatique par principe moral. Autour de lui, pour retrouver le parfum d’une Europe en chantier, Sergi Lopez, Bruno Ganz, Denis Lavant, Jacques Nolot, David Kross ou Swann Arlaud. Des hommes au visage et physique impressionnant, mélange de langues, d’accent et de personnalités fortes qui se répondent en harmonie. Des acteurs incarnant leurs rôles avec intensité, même lorsqu’ils ne sont que 5 minutes à  l’écran. Dommage que les trois actrices principales – Mélusine Mayence, Delphine Chuillot et Roxane Duran – aient elles le même physique frêle et des traits quasi interchangeables.

Film en costume, film de guerre et d’acteurs, et œuvre lumineuse, Michael Kohlhaas pose avant tout la question de la justice. Le droit est-il là  pour protéger un individu ou pour contrôler les règles qui permettent au plus grand nombre d’individus de vivre ensemble sans s’entretuer ? Au 16ème siècle comme aujourd’hui, la réponse est délicate. Arnaud Des Pallières nous donne des éléments de réflexion et, surtout, un beau moment de cinéma.

Magali Van Reeth

Signis

Ciné club à  la paroisse Presqu’Ile sud

Chaque film est introduit et suivie d’une discussion à  la fin de la projection.

Les séances ont lieu à  20h30 et sont ouvertes à  tous. Entrée 10 rue François Dauphin, sur le côté de l’église Saint François de Sales.

les films pour la saison 2013/2014 :

27 novembre : 2046 de Wong Kar-Wai (2004) avec Tony Leung Chiu Wai, Gong Li

22 janvier : L’Homme de la plaine (The Man from Laramie) d’Anthony Mann (1955) avec James Stewart, Arthur Kennedy

26 février : Journal intime (Caro Diario) de Nanni Moretti (1994) avec Nanni Moretti, Giulio Base

16 avril : L’Evangile selon Saint Matthieu (Il Vangelo secondo Matteo)de Pier Paolo Pasolini (1964) avec Enrique Irazoqui, Margherita Caruso

28 mai : Il est plus facile pour un chameau… de Valeria Bruni Tedeschi (2003) avec Valeria Bruni Tedeschi, Chiara Mastroianni

25 juin : La Party (The Party) de Blake Edwards (1968) avec Peter Sellers, Claudine Longet

Contact : Didier Lamy 69lamy@gmail.com

Voir aussi le site de la paroisse presqu’ile sud en cliquant ici

De Marguerite Abouet et Clément Oubrerie

Film d’animation avec les voix de Aïssa Maiga, Tatiana Rojo, Tella Kopmahou, Jackie Ido et Erik Ebouaney.

A Yopougon, dans la banlieue d’Abidjan, un groupe d’adolescents rêve d’amour et de réussite mais la vie n’est pas toujours aussi rose qu’ils le voudraient : un film joyeux et attachant.

On les appelle Adjoua, Bintou, Aya, Moussa, Mamadou, Hervé ou Grégoire, ils ont entre 15 et 20 ans et habitent le quartier de Yopougon à  Abidjan, en Côte d’Ivoire. Ils ont l’insouciance et les désirs de la jeunesse et c’est Aya qui raconte leur histoire. Contrairement à  ses amies, Aya est une jeune fille sage, elle sait ce qu’elle doit faire si elle veut un jour être médecin. Si elle désapprouve certains comportements de ses voisins ou parents, cela n’empêche ni l’affection ni l’amitié. A travers son regard, c’est tout un quartier qu’on investit, une langue riche et poétique, une façon d’accepter son sort avec un humour ravageur.

Aya de Yopougon est un film d’animation adapté de la bande dessinée éponyme, écrite par Marguerite Abouet et dessinée par Clément Oubrerie – les deux réalisateurs – publiée en 6 tomes, entre 2005 et 2010. D’origine ivoirienne, Marguerite Abouet parle de l’origine de cette histoire : « En réalité, c’est plutôt Akissi, la petite « sœur » d’Aya, qui me ressemble et qui a donné lieu à  un autre album de bande dessinée, illustré par Mathieu Sapin. Pour autant, l’histoire d’Akissi se déroule aussi à  Yopougon, ce quartier où j’ai grandi et qui fait partie de moi : c’est le noyau autour duquel je me suis construite et qui a nécessairement nourri mon imaginaire. Un enfant qui naît à  Yopougon peut vivre dans n’importe quel quartier du monde car on y trouve toutes les cultures et toutes les couches sociales. Du coup, on est obligé de vivre avec les autres, de les supporter et de les aimer, puisque tout se sait et que n’importe quel problème peut être résolu par ses voisins ! Ce sont donc mes souvenirs d’enfance que raconte « Akissi ». Par la suite, il a fallu faire grandir l’héroïne et j’ai imaginé Aya – je dis bien « imaginé » puisque je n’ai pas vécu mon adolescence en Côte d’Ivoire. À travers elle, je voulais raconter cette Afrique qui m’a été arrachée malgré moi et la partager avec le plus grand nombre. »

Pour parler d’une époque passée mais encore bien présente chez de nombreux spectateurs, comme ici les années 1970, le dessin animé permet d’enlever le côté léché ou artificiel d’une reconstitution trop précise. Abidjan, dans les dessins de Clément Oubrerie, s’anime à  l’écran. A la fois reconnaissable par ceux qui y ont vécus mais suffisamment intemporel et imaginaire pour que tous les spectateurs s’y retrouvent.

Aya de Yopougon est un film joyeux où le chaos du quotidien est accepté sans drame ni leçon de morale. La bonne entente d’un quartier, d’une famille, se fait lorsque des individus bien différents arrivent à  vivre ensemble. L’important, c’est de ne pas l’oublier ! Attention, ce n’est pas parce que ce film est un dessin animé qu’il est à  destination du très jeune public. Comme pour la bande dessinée, les sujets évoqués et l’humour caustique sont plutôt destinés aux adultes et adolescents à  partir de 12 ans.

Magali Van Reeth

Signis