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de Fernando Trueba

avec Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale.

Insensible à  la guerre qui bouleverse son environnement, un artiste vieillissant cherche l’inspiration. Le désir de créer, et de vivre, lui est rendu par un nouveau modèle.

Dans un petit village des Pyrénées, à  l’été 1943, un artiste reconnu et déjà  âgé, traverse avec peine l’ennui quotidien. Sculpteur, il a perdu l’inspiration, l’envie de créer et sans doute l’envie de vivre. Ses promenades dans la campagne, devant la fulgurante beauté de la nature, le renvoie à  son impuissance artistique. Sa femme lui propose un nouveau modèle, une jeune femme « dans son style ».

Le réalisateur espagnol Fernando Trueba porte en lui cette histoire depuis longtemps. S’il a choisi de filmer en noir et blanc, c’est pour rester dans l’ambiance des ateliers d’artistes du début du 20ème siècle. C’est aussi pour mieux rendre le volume des sculptures monumentales, pour travailler la lumière naturelle dans les branches des arbres en lui donnant une densité unique. L’Artiste et son modèle est dédié à  son frère, sculpteur décédé en 1996, un homme secret qui ne travaillait « pas avec les mots ». C’est l’acteur français Jean Rochefort qui interprète Marc Cros, et Claudia Cardinale, sa femme.

Le choix de tourner en France et avec des acteurs français était aussi une évidence pour Fernando Trueba. Hommage de son attachement à  ce pays voisin mais aussi évidence historique : la France, dans le sillage de Picasso, fut un grand centre artistique mondial. Le modèle est une belle et jeune actrice espagnole, Aida Folch, dont les formes voluptueuses, filmées avec grâce et sans aucune vulgarité sont, on le comprend, une véritable source d’inspiration.

Si le film est par moment maladroit, encombré de béquilles romanesques qui n’apportent rien au cœur de l’histoire – comme l’incident du jeune résistant – Jean Rochefort et Fernando Trueba arrivent à  rendre le mystère et les difficultés de la création artistique. Avec comme seule musique les bruits de la vie et une lumière splendide, que ce soit dans l’atelier ou en extérieur, ils emportent le spectateur dans le cheminement sensuel et intellectuel du travail artistique. Réflexions sur la difficulté de créer, de trouver l’inspiration, hommage au talent d’autres artistes, le regard de l’acteur et ses gestes nous emportent au cœur de l’art de créer et de transcender le réel.

Au milieu de la guerre, Marc Cros, homme et artiste, a perdu confiance dans le genre humain. L’arrivée de Mercè lui redonne du désir, aiguise son regard, donne de l’élan à  son crayon, du sens à  ses gestes. Avec ce nouveau modèle, le sculpteur peut enfin façonner l’œuvre d’une vie. La statue qui nait alors grâce à  ses outils et à  son inspiration prend les contours de La Méditerranée de Maillol. Un style différent du reste de l’atelier de Marc Cros mais une œuvre qui ressemble tant à  l’actrice qu’on peut comprendre cet anachronisme. Il n’est pas étonnant que Jean Rochefort ait envie de terminer par ce rôle sa longue carrière de comédien. Au-delà  des mots, il lui permet d’utiliser toutes les facettes de son talent pour exprimer, avec son corps et son cœur, la complexité intense de l’expression artistique. Pour Fernando Trueba, la fin du film, et la mort choisie par l’artiste, n’est pas tragique mais « un hymne d’amour à  la vie ». L’Artiste et son modèle est l’épilogue d’une vie, un moment de grâce qui redonne du souffle à  un artiste et à  un homme.

Magali Van Reeth

Signis

d’Agnès Jaoui

Sortie en France le 6 mars 2013.

avec Agnès Jaoui, Agathe Bonnitzer, Jean-Pierre Bacri, Arthur Dupont, Benjamin Biolay.

Entre le merveilleux des contes de fées et le désenchantement du quotidien, un film joyeux et coloré sur les mille et une façons de s’aimer et de vivre longtemps après.

« Ils vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants » : partant de ce célèbre envoi de conte de fées, Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri ont écrit le scénario d’une comédie enchantée. Brodant sans cesse autour des thèmes des contes traditionnels, le film décline aussi plusieurs façons de s’aimer, de désirer et de se séduire. Y compris quand ça va mal ou qu’il n’y a pas d’enfant. 4ème long-métrage d’Agnès Jaoui, Au Bout du conte met en scène des personnages tiraillés entre le rationnel et le merveilleux, le croire en Dieu et la superstition.

Interprétant le rôle d’une bonne fée en charge d’un théâtre d’enfants, d’une marraine épongeant les pleurs d’une jeune fille trop naïve, Agnès Jaoui est une gentille mère de substitution. Maladroite, généreuse et colorée. Son compère Jean-Pierre Bacri décline le personnage dans lequel il excelle : le quinquagénaire bougon, râleur, divorcé et dépressif, soudain envahit par la peur de mourir subitement. Il est moniteur d’auto-école de profession. Comme si seul un vrai pessimiste pouvait enseigner l’art de la conduite, les rouages du dépassement et le respect du règlement.

Parmi les autres trouvailles étonnantes, une belle-mère épineuse dont le visage trop jeune se froisse parfois d’une vieillesse incongrue et menaçante. Benjamin Biolay en loup séducteur de Petit Chaperon Rouge, un prince charmant qui perd son soulier et une princesse en robe rouge, tout à  la fois Belle au Bois dormant et Blanche Neige. C’est pour célébrer leurs fiançailles que tous se réunissent.

Tout au long du film, on sent que les acteurs ont pris beaucoup de plaisir à  interpréter leur rôle, les scénaristes à  tricoter les thèmes anciens du conte avec les nouvelles relations conjugales et familiales. Les plans sont truffés de petits détails rappelant tel ou tel personnage traditionnel, les décors, les costumes et les situations replongeant sans cesse l’ordinaire des personnages modernes dans l’univers merveilleux du conte.

« Je crois à  tout ce qui fait du bien » dit Agnès Jaoui. Avec Au Bout du conte, elle nous offre un beau cadeau, de ceux qui font du bien et mettent des étoiles dans les yeux des spectateurs.

Magali Van Reeth

Signis

de Pablo Trapero

avec Ricardo Darin, Jérémie Régnier, Martina Gusman.

Dans le chaos d’un bidonville, 2 prêtres partagent le quotidien d’une population d’exclus. Un ministère aussi physique que spirituel, et une incarnation très actuelle de l’engagement.

Ces dernières années, l’Argentine est devenue un pays très dynamique dans la production cinématographique mondiale. De grands films et de nombreux cinéastes ont imposé leur marque au niveau international, dont Juan Jose Campanella, Lucrecia Martel, Carlos Sorin. Et Pablo Trapero dont le 7ème long métrage, en sélection au Festival de Cannes dans la section Un Certain Regard, est largement distribué en Europe. Profondément marqué par la dictature militaire, ces réalisateurs ont su affronter leur histoire. Ils ont aussi à  cœur de traiter les sujets de société.

Elefante blanco se déroule dans le bidonville de la Vierge en banlieue de Buenos Aires. Cet « élephant blanc » est un hôpital dont la construction provoque des magouilles et des frustrations en cascade. Le père Julià¡n travaille depuis des années à  en soutenir la construction. Il est proche du mouvement des Prêtres pour le tiers-monde et marqué par la théorie de la libération des années 1970. Il accueille un prêtre plus jeune, Nicolas, européen et missionnaire, et lui fait découvrir l’univers particuliers des bidonvilles et de la politique argentine.

A travers ces deux prêtres et Luciana, une jeune éducatrice, très proches des habitants du bidonville, c’est de l’engagement dont il est question. Qu’il soit politique, humanitaire ou professionnel, cet engagement les amène à  partager au plus près la souffrance et l’exclusion dont sont victimes la plupart de leurs voisins. Ils ressentent aussi de plein fouet la violence de la corruption, des clans armés et des revendeurs de drogue. Face à  l’éloignement ou l’indifférence du pouvoir politique et des institutions cléricales ou religieuses, ils travaillent néanmoins avec un bel enthousiasme à  changer le monde.

Repoussant le misérabilisme ou l’approche strictement documentaire, Pablo Trapero construit des personnages à  la fois romanesques et crédibles, de véritables héros des temps actuels, avec leur part de faiblesse, de doutes et de détermination. Julian et Nicolas assument jusqu’au bout leur sacerdoce auprès des plus pauvres, deux belles figures de prêtres pour une même incarnation de l’engagement. Le père Julià¡n est interprété par le célèbre acteur argentin Ricardo Darin (Les Neufs reines, Carancho, Dans ses yeux) et le père Nicolas par Jérémie Régnier qui, juste après avoir joué le rôle du chanteur Claude François dans Cloclo, montre ainsi l’étendue de son talent.

Magali Van Reeth

Signis

Territoire et transmission, les thèmes clés du festival

Le fil conducteur des films proposés marque le retour à  l’idée de territoire et de transmission. Le territoire est ici, défini par des frontières : un espace bien déterminé ; celui où s’ancrent, vivent, travaillent des hommes. Un espace qu’ils se partagent, natifs ou non de ce territoire. Il est aussi celui que d’autres hommes traversent lorsque leur travail et leur culture sont nomades. Quant à  l’identité comment l’envisager et la définir dans un monde en proie à  de profondes mutations ? Naît-elle du territoire où l’on vit ? Se construit-elle autour du travail, de réseaux locaux ou culturels ?

Et qu’en est-il aujourd’hui de la transmission ? Comment peut-elle encore se poursuivre ?

Entre histoire locale et mondialisation, la quête de visibilité et de reconnaissance dans un monde rural est vitale, toujours incomplète, sans cesse renouvelée.

Un programme variée avec des longs métrages, des documentaires, des débats mais aussi un concert, du théâtre, des repas conviviaux et des rencontres avec des réalisateurs.

Parmi les films présentés, Arts cultures et foi vous recommande particulièrement Des Temps et des vents (2006)de Reda Erdem et le documentaire Hiver nomade (2011) de Manuel von Stà¼rler.

Découvrez tout le programme dans le site [www.festivache.fr/2013/?page=info.php&type=contact&id=%2048 ->www.festivache.fr/2013/?page=info.php&type=contact&id=%2048
]
et dans le document ci-joint : festivache_2013.pdf

Comme chaque année, la fin de l’hiver ramène dans l’agglomération lyonnaise les professionnels de l’animation européenne.

Du 6 au 8 mars 2013, les journées Cartoon Movie de Lyon rassemblent les artistes, producteurs et concepteurs de l’image animée, qu’ils travaillent dans l’univers des jeux ou dans celui des films d’animation. Pendant ces trois journées professionnelles, des projets sont présentés par leurs concepteurs pour trouver des financements mais aussi des films en cours de réalisation ou cherchant un distributeur.

En marge de cet événement professionnel, le Groupement régional de l’action cinématographique (GRAC), en collaboration avec le Grand Lyon et le soutien de la région Rhône-Alpes, propose une programmation spéciale de films d’animation dans 28 salles de cinémas de l’agglomération (dont Bron, Neuville, Saint-Etienne, Craponne, Vénissieux), des films récents ou en avant-premières, comme Le Jour des corneilles, Ernest et Célestine ou Le Magasin des suicides.

Vous pouvez consultez le programme détaillé (salles, horaires, films) dans le site http://www.oncartoondanslegrandlyon.fr

de Manuel von Stà¼rler

documentaire.

Un surprenant voyage à  pieds, dans l’intimité de l’hiver suisse et d’un troupeau de moutons, qui éveille en nous un vrai désir de liberté.

La transhumance d’hiver est le voyage d’un troupeau de moutons des alpages vers la plaine, où il y a encore de l’herbe à  brouter. Une tradition qu’on pensait complètement disparue mais qui survit encore, notamment en Suisse. Pendant 4 mois, deux bergers cheminent lentement avec 800 bêtes, empruntant les derniers chemins forestiers. Ils zigzaguent entre les autoroutes, les voies ferrées et les lotissements modernes qui grignotent peu à  peu la campagne. Ils veillent avec attention sur leur troupeau et leur arrivée dans un village ne laisse personne indifférent.

Et comment peut-on l’être quand la simple association de bergers et de voyages évoque Homère et la Bible ? Les deux bergers, Pascal et Carole, sont les héros que la mythologie a portés jusqu’à  nous. Le réalisateur Manuel von Strà¼ler a bien conscience de la capacité romanesque et de la charge émotionnelle qu’ils soulèvent en nous, lorsqu’il les filme cheminant sous la neige, guidant cet immense troupeau fluide, 3 ânes et quelques chiens. Aussi, pour tempérer ce côté bucolique, il prend soin d’introduire discrètement un rapport étroit à  une réalité plus actuelle. Les immenses tabliers de ponts autoroutiers servent d’abri un jour de pluie, les vêtements synthétiques aux couleurs vives sont autant utilisées que les draps de laine, et pour faire la tente du soir, les bâches plastiques côtoient les peaux de mouton. Pour le réveillon de Noël autour du feu, Carole va faire les courses au supermarché (où les promotions sont au gigot d’agneau de Nouvelle-Zélande) et le téléphone portable permet de rester en contact avec le patron. Ainsi, la nostalgie est tenue à  distance et Pascal et Carole nous sont plus proches.

Au-delà  du côté anecdotique de cette transhumance, Hiver nomade pose la question du nomadisme dans le monde moderne. Que ce soit en Suisse, en Europe centrale, aux portes des déserts africains ou dans les toundras inhospitalières, les peuples nomades se sédentarisent, de gré ou de force. Même lorsque la liberté de déplacement de l’homme n’est pas entravée par la politique, il la troque volontiers contre son confort. En guidant de mains de maître 800 moutons, 3 ânes et 4 chiens le long d’un champ d’orge d’hiver sans qu’une seule pousse ne soit piétinée, Pascal et Carole nous montrent leur savoir faire tout autant qu’ils suscitent en nous une belle envie de liberté !

Hiver nomade est un documentaire sans voix off ni intervention verbale du réalisateur. Il laisse au spectateur l’espace nécessaire pour pénétrer dans cette aventure avec une véritable mise en scène et un montage dynamique. 4 mois de voyage avec les mêmes compagnons de route et on ne voit jamais deux fois la même scène ou le même plan. Ce n’est qu’au bout du chemin que certains gestes font sens, que des paroles plus intimes peuvent être entendues. L’image est superbe et même les protagonistes semblent oublier la caméra. Un excellent documentaire qui donne à  voir autant qu’à  penser et réussi le tour de force de mettre en avant un mode de vie en voie de disparition, sans faire vibrer la fibre de la nostalgie.

Magali Van Reeth

Signis

de Jean-Paul Lilienfeld

avec Sophie Marceau, Miou Miou et Marc Barbé.

Une femme s’accuse du meurtre de son mari face à  un officier de police qui ne veut pas l’entendre. Une étrange confession qui nous amène au cœur de la complexité des violences conjugales.

C’est une longue nuit dans un commissariat de police mais est-ce pour autant un film policier ? Pour avoir vu beaucoup d’interrogatoires au cinéma, on comprend très vite que les codes du genre vont déraper. D’abord parce qu’il n’y que des femmes et ensuite parce que l’enquête est close. Le lieutenant Pontoise est de garde dans une petite ville portuaire et elle tient les ennuis à  distance en éteignant la lumière de son bureau. Arrive pourtant une autre femme, déterminée à  régler une vieille histoire. L’une s’accuse du meurtre de son mari, l’autre ne veut pas l’entendre et encore moins enregistrer cette plainte. Au cœur de leur affrontement, la violence conjugale et les sentiments, très complexes, qui en découlent.

Le réalisateur Jean-Paul Lilienfeld s’est inspiré du roman de Jean Teulé, Les Lois de la gravité. Il en fait un film très personnel qui donne un angle original à  ce sujet délicat. Comment parler des femmes battues en évitant le voyeurisme ? Un surcroît de violences inutiles ? Arrêtez-moi trouve un juste équilibre, alternant les scènes de souvenirs – heurtées, déchiquetées, tremblées, comme leurs victimes, avec les scènes du commissariat où la tension et l’image sont différentes. Au cœur du film, les vraies raisons qui poussent chacune des deux femmes dans leurs convictions.

De quoi s’accuse la femme coupable ? Veut-elle se débarrasser d’une étrange culpabilité ? « Je suis coupable parce que j’ai été victime » crie la femme à  plusieurs reprises. Au fil de la nuit, on se rend compte, avec le lieutenant Pontoise, que cette déclaration tardive s’adresse à  son fils, pour lui montrer qu’il est possible d’arrêter le cercle vicieux de la violence, d’agir en dénonçant officiellement ce qui est arrivé.

Une troisième figure féminine arrive plus tard, sous la forme d’une vierge en plastique bleue. Entre fiole à  potion magique et station météo, elle donne l’occasion d’une scène qu’on ne pensait pas voir un jour dans le cinéma français : Sophie Marceau et Miou-Miou récitant ensemble un « Je vous salue Marie » Deux actrices magnifiques, incarnant deux femmes égarées cherchant un secours, un soutien, un miracle. Sophie Marceau est méconnaissable, endossant le personnage de cette femme simple, mal habillée, mal coiffée, battue, humiliée, cherchant les mots pour dire une souffrance qu’elle ne sait pas exprimer. Beaucoup d’autres actrices célèbres ont essayé de jouer des femmes aussi anonymes, cassées et mal fagotées, peu y ont réussi aussi bien qu’elle. Miou-Miou donne au lieutenant Pontoise ce grain de folie lasse qui fait le charme du personnage.

Magali Van Reeth

Signis