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de Ken Loach

avec Paul Brannigan, John Henshaw Lie, Siobhan Reilly, Gary Maitland.

Entre comédie sociale et conte de fée alcoolisé, Ken Loach s’amuse sur les routes d’Ecosse. Un film léger comme le sourire des anges.

Ne pas céder, même en riant. Tel pourrait être la ligne de conduite du réalisateur britannique et de son scénariste, Paul Laverty. Dénonçant sans relâche les dégradations de la société contemporaine, où les plus pauvres sont les plus touchés par le manque de travail, le manque de perspectives, et le manque d’accès à  la culture, ils enchainent les films. La plupart sont des films dramatiques où les victimes des crises financières tentent de survivre dans un environnement poisseux. Mais depuis Looking for Eric (2009, prix oecuménique au Festival de Cannes), le rire est aussi une arme pour résister.

Condamnés à  des travaux d’intérêt général, une bande de délinquants tente de se racheter une conduite et d’échapper à  la détention. Parmi eux, Robbie, très jeune papa, qui veut tout faire pour s’en sortir et pouvoir mener une vie normale de « père de famille ». Mais c’est difficile de tout apprendre quand on n’a jamais travaillé, ni en classe ni pour gagner des sous, et qu’on fréquente les mauvais quartiers. Grâce à  l’éducateur qui les encadre, Robbie va découvrir une passion qui lui permettra d’échapper à  la fatalité.

Traité comme un conte de fée et non pas comme une chronique réaliste de la société britannique, l’historie de Robbie permet à  Ken Loach et à  Paul Laverty de mettre en avant tout un pan de la culture traditionnelle écossaise, à  travers la fabrication du whisky. Et de donner un grand coup de pouce à  ceux qui sont les plus meurtris par la crise, quitte à  rouler dans la farine un milliardaire américain…

La Part des anges, c’est l’alcool qui s’évapore d’un fût de whisky pendant sa maturation. Jolie métaphore pour qualifier cette seconde chance que le film offre à  une bande de racailles, premières victimes d’une crise dont ils ne sont en rien responsables.

Magali Van Reeth

Signis

de Bruno Podalydès

avec Denis Podalydès, Valérie Lemercier, Isabelle Candelier, Bruno Podalydès.

A la fois léger et profond, mélancolique et drôle, un film pétillant qui mélange les rêves des indécis et la magie du cinéma.

Les films de Bruno Podalydès sont un espace rafraîchissant dans le long corridor des comédies françaises qui se bousculent sur les écrans. Hormis l’adaptation des deux romans de Gaston Leroux, Le Mystère de la chambre jaune (2003) et Le Parfum de la dame en noir (2004), ses films sont à  la lisière du journal de bord, de la fantaisie poétique, de la comédie de mœurs, de la blague de potache mélancolique et du burlesque le plus raffiné. Laissant à  son frère Denis le rôle principal et ancrant ses décors dans la banlieue tranquille de l’Ouest parisien où ils ont grandi, Bruno Podalydès pose un regard tendre et ironique sur ses contemporains.

S’il y a bien un enterrement dans Adieu Berthe, ce n’est pas tant de mémé dont il sera question mais de son petit-fils Armand. Armand et sa femme Hélène tiennent une pharmacie. Les échanges, les disputes et les chagrins conjugaux se font au-dessus des tiroirs bien rangés de médicaments, symboles à  la fois d’une guérison/consolation possible mais aussi d’un monde où tout est exactement à  sa place. Sa place, Armand la cherche constamment. Doit-il quitter sa femme pour son amante ? Est-ce mieux d’être le père d’un ado collé à  ses écrans et enfermé dans ses écouteurs ou celui d’une petite fille qui veut un goûter d’anniversaire avec des tours de magie ? Et mémé ? Faut-il l’inhumer ou l’incinérer ? Armand se perd entre ces deux mondes, celui de la raison et celui de la magie qui le mène à  mémé.

Avec une aptitude réelle pour les tours de passe-passe, les jeux de mots visuels et les gags silencieux, les Podalydès se moquent de nos incertitudes, de notre incapacité contemporaine à  faire des choix, de notre angoisse devant la mort, de notre fascination pour le morbide et les séries américaines, du genre Twilight, prononcé ici à  la française, « toilettes » Dans un capharnaà¼m de pompes funèbres où les prouesses techniques emplissent le vide laissé par le religieux, où les médicaments ont toujours des effets secondaires, le spectateur est sous le charme de cette fantaisie, comme mémé perdant la tête pour un prestidigitateur à  qui elle réclame « une illusion par jour ». Une illusion par jour, c’est bien le rêve que nous propose le cinéma !

Magali Van Reeth

Signis

de Benoît Delépine et Gustave Kervern

avec Benoît Poelvoorde, Albert Dupontel, Brigitte Fontaine

Sous un mode décalé et ironique, les aventures de deux frères en marge de la réussite, lâchés dans les paysages de la consommation et de la rentabilité. Une belle ode à  ceux qui prennent de plein fouet la crise économique.

Contrairement aux médias internationaux et aux gouvernants qui, en ces temps de crise financière, essayent d’appeler à  la raison et à  l’abstinence le grand public, la plupart des réalisateurs sélectionnés pour la 65ème édition du Festival de Cannes, sont entrés en résistance contre cet appel à  la rigueur économique qui touche essentiellement les plus pauvres, ceux qui sont déjà  exclus, malades, sortis du système scolaire, en marge

Parmi eux, les deux réalisateurs français du Grand soir, Benoît Delépine et Gustave Kervern. Rien d’étonnant à  cela, si on se souvient de leurs deux précédents films, Louise-Michel (2008), réquisitoire mordant contre les spéculateurs et Mammuth (2010) longue errance d’un travailleur précaire à  la recherche de ses points retraite. Avec de l’humour, un brin de surréalisme et un soupçon de radicalisme, les réalisateurs enfoncent le clou.

Le Grand soir, référence à  l’avènement d’une utopie politique, est la douce descente dans les enfers de la société de Jean-Pierre, vendeur de matelas (révolutionnaires !), largué par sa femme, licencié par son patron et désavoué par ses parents Heureusement, il y a son frère, Not, le plus vieux punk à  chien d’Europe, heureux de cette vie à  l’ombre de la réussite, de la consommation et d’une existence raisonnable. Ensemble, ils vont hanter ces nouveaux temples de la vie moderne, un centre commercial.

Dans cet environnement dédié à  la rentabilité et à  l’aliénation des désirs de la population, démesuré, froid et laid, Delépine et Kervern instillent peu à  peu de la poésie, de l’intimité, de l’espérance et de la fraternité. Leurs personnages ne deviennent pas des héros parce qu’ils sont déchus mais retrouvent, dans cette déchéance, une vraie dignité. Le Grand soir n’appelle pas à  la révolution – que nos concitoyens ne sont pas prêts à  faire comme le montre une scène poignante – mais remet les plus petits au centre du débat. En redonnant toute son humanité à  un punk, à  un SDF, à  un chômeur, les réalisateurs rappellent avec une grâce ironique, toute l’humanité de ceux qui trinquent quand la finance internationale s’affole d’avoir à  perdre tout ce qu’elle a gagné sur le dos des plus humbles

Magali Van Reeth

Signis

A part le mauvais temps, que retenir de ce 65éme édition ? Beaucoup de bons films, mais peu qui soient réellement enthousiasmant, peu de surprise, peu de femmes mais une qualité indéniable chez les très nombreux réalisateurs présents.

La vieille garde du cinéma international, Kiarostami, Haneke, Resnais, Loach, a toujours le désir de tourner, à  défaut de révolutionner les images. Si Michael Haneke est reparti avec la palme d’or pour Amour, l’innovation était plutôt du côté d’une génération plus jeune et moins connue, comme Leos Carax (France) qui, dans Holy Motors, réussit le tour de force de rendre hommage au cinéma classique tout donnant à  voir le cinéma du futur.

Venus des quatre coins du monde, les réalisateurs de la sélection officielle ont protesté en force contre l’omniprésence des règles économiques dans la vie quotidienne. Que ce soit avec un humour rageur et Brad Pitt dans Killing Them Softly d’Andrew Dominik (Etats-Unis) ; avec l’élégance raffinée et sensuelle d’Im Sang Soo (Corée) où L’Ivresse de l’argent ne fait pas le bonheur ; avec les images d’une beauté fulgurante de Carlos Reygadas (Mexique) qui a un peu perdu les spectateurs entre lutte des classes et hymne à  la nature ; avec le sexe qui bouleverse les relations marchandes entre le Nord et le Sud dans le provocant Paradies : liebe d’Ulrich Seidl (Autriche) ; avec le huis clos sophistiqué d’un trader en limousine, isolé de la réalité du monde de David Cronenberg (Canada) et son Cosmopolis ; avec La Part des anges, comédie légère et alcoolisée où Ken Loach (Royaume-Uni) permet à  une bande de pré-délinquants de se racheter une conduite en pillant un milliardaire La morale explose dès lors qu’il faut aider les pauvres et les exclus à  trouver leur place dans le tourbillon d’un monde où priment les lois de la finance !

La jeune génération a réussi à  se faire une place. Peut être pas dans la compétition officielle mais dans celle d’Un Certain Regard où les pépites foisonnaient. Du Canada, Xavier Dolan a montré Laurence Anyways, une œuvre lyrique, romanesque, foisonnante (et un brin prétentieuse), histoire d’amour complexe, comme elles sont aujourd’hui, chacun voulant être soi même avant de faire le bonheur de l’autre. A l’inverse des personnages de Pablo Trapero (Mexique) avec Elefanto Blanco, célèbrent l’engagement total au service des populations déshéritées des bidonvilles sud américains, avec deux belles figures de prêtres. Les enfants saccagés, on les a retrouvés dans La Playa DC de Juan Andres Arango (Colombie), film pudique, qui insiste sur les raisons d’espérer plutôt que sur la violence. Ou dans Djeca d’Aida Begic (Serbie Herzégovine), enfants que la guerre en Europe a laissés orphelins. Avec ce deuxième film, la jeune cinéaste confirme son talent. La vraie révélation bien sûr a été Les Bêtes du sud sauvage de Ben Seitlin (Etats-Unis) qui a raflé tous les prix, d’une mention du jury œcuménique à  la caméra d’or, en passant par un prix Fipresci. L’enfance encore une fois est au cœur de ce film poétique, lumineux, célébrant la liberté et la part animal que l’homme moderne a oublié dans une urbanité toujours croissante.

Bref, un Festival de Cannes moins décevant qu’il n’y parait puisqu’il a donné toute sa place à  une jeune génération, prête à  bousculer le ronron cannois et les grands maîtres, pour le plus grand plaisir des festivaliers et des spectateurs.

Magali Van Reeth

Signis

de Walter Salles

avec Garrett Hedlund, Sam Riley, Kirsten Steward, Kirsten Dunst, Viggo Mortensen.

A travers les vastes territoires des Etats-Unis, un jeune homme cherche le sens de la vie, fasciné par ceux qui savent se brûler les ailes, inquiet quant à  son avenir. Un beau et terrible voyage.

Le réalisateur brésilien Walter Salles a déjà  filmé un long voyage, Carnets de voyage, prix œcuménique au Festival de Cannes 2003. Deux amis, Ché Guevara et Alberto Granado traversaient le sud du continent américain, découvrant une réalité sociale et politique qui allait déterminer leurs futurs engagements. Cette fois, le voyage parcoure le nord du continent et s’appuie sur le roman éponyme de Jack Kerouac.

Paru en 1957, le roman s’inspire des voyages entrepris par l’auteur entre 1947 et 1950. C’est le portrait d’une jeunesse prête à  tout essayer pour se sentir vivre, une période en pleine mutation où les Etats-Unis, entre la fin de la Seconde guerre mondiale et le début de guerres de Corée et du Vietnam, vit encore sous le régime de la ségrégation raciale.

Comme dans tous les films de voyage, Walter Salles insiste sur la beauté grandiose des paysages traversés, la somptuosité des lumières naturelles, la durée mélancolique des étapes. Mais s’il a choisi de s’inspirer du roman de Jack Kerouac, c’est avant tout pour la portée politique de ce voyage.

Sur la route n’est pas un guide touristique. Il dresse le portrait d’une génération de jeunes gens qui refuse le mythe américain de ses ancêtres. Au 19ème siècle, les colons ont traversé le territoire de l’Amérique du nord, d’est en ouest, pour le conquérir au nom d’un idéal politique. Pour le Manifest Destiny, lancé au moment de la guerre contre le Mexique dans les années 1840, la suprématie blanche et anglo-saxonne se voulait une mission divine et inéluctable.

Les protagonistes du roman et du film, Sal, Dean et Marylou, sont en quête de voyages, d’aventures. Non pas pour conquérir un autre monde mais pour le découvrir. Dans un joyeux désordre (drogues, alcools, amours libres et mépris de la morale bourgeoise), ils vont rencontrer d’autres façons de vivre, écouter d’autres musiques, habiter les espaces avec ceux qui vivent en marge de la société traditionnelle.

Hantés par la disparition de leurs pères, Sal et Dean cherchent une rédemption dans le territoire, dans la fuite, dans l’oubli. Ils expérimentent la notion de liberté jusque dans ses moindres recoins, jusqu’à  se faire mal. L’un saccage l’amour, l’autre est incapable de le trouver. Tous les deux savent qu’ils doivent façonner seuls leur avenir et seul Sal trouvera le salut dans l’écriture, qui donne un sens à  sa quête. Sur la route est aussi l’éclosion d’un écrivain qui a su capter cette époque trouble, ces personnages si fragiles dans leurs excès.

Ce film est une célébration des grands espaces, non plus comme un territoire à  conquérir mais un pays à  aimer tel qu’il est, avec tous ses habitants et la complexité des cultures et des langues. Un manifeste pour la diversité et l’envie d’emprunter les chemins de traverse.

Magali Van Reeth

Signis