de Diao Yina

avec Fan liao, Gwei Lun-Mei, Xuebing Wang.

« Charbon noir, glace mince » : c’est bien l’esthétique qui distingue et recommande ce film.

En 1999, un corps est retrouvé dispersé aux quatre coins de la Mandchourie. L’inspecteur Zhang mène l’enquête, mais doit rapidement abandonner après avoir été blessé lors de l’interpellation des suspects. Cinq ans plus tard, deux nouveaux meurtres sont commis dans la région, tous deux liés à  l’épouse de la première victime. Devenu agent de sécurité, Zhang décide de reprendre du service. Son enquête l’amène à  se rapprocher dangereusement de la mystérieuse jeune femme.

La scène d’ouverture scotche d’emblée le spectateur à  son fauteuil : dans une usine, la caméra suit le parcours du charbon qui devient l’objet d’une macabre découverte. Le réalisateur — également scénariste du film — se réfère à  la célèbre scène inaugurale de La soif du mal et exprime aussi son admiration pour Le troisième homme. Il choisit en effet le style du film noir plus que celui du simple polar.

Et c’est bien l’esthétique qui distingue et recommande ce film. Le titre d’origine en mandarin évoquait « Feux d’artifice en plein jour » retenant la remarquable scène finale mais l’intitulé du film en France « Charbon noir, glace mince » est bien évocateur de l’ambiance dans laquelle se noue cette intrigue : dans une petite ville industrielle du Nord de la Chine, la mine tient une place centrale et le premier crime se situe dans la touffeur de l’été. Mais ensuite le froid joue aussi un rôle important, durcissant la vie quotidienne et enveloppant les forfaits dans un mystère glacé. La longue séquence de poursuite à  la patinoire puis dans la campagne gelée se clôt en une élégante ellipse. Car c’est un mérite aussi de ce film de ne pas se complaire dans la violence : elle est toujours habilement distanciée par l’espace ou par le temps.

Cinq ans séparent les deux volets de cette histoire qui se déroule selon une mise en scène brillante : que représentent cinq années à  l’aune de la Chine millénaire ? Pas grand-chose, répond ce film où l’atmosphère morose d’une région déshéritée perdure comme la déprime d’un flic sans illusions. Quant à  la femme énigmatique qui connaît seule la vérité, sa fragilité renouvelle complètement la figure de la femme fatale.

Michèle Debidour

SIGNIS

de Jean-Pierre et Luc Dardenne

avec Marion Cotillard, Fabrizio Rongione

Avec une magnifique simplicité, les frères Dardenne transforment en aventure la quête d’une femme fragile pour retrouver son travail.

Un nouveau film des frères Dardenne, c’est à  chaque fois la certitude tranquille de retrouver une ambiance particulière, et la surprise délicieuse de les voir explorer une nouvelle façon de faire du cinéma. Avec Deux jours, une nuit, l’histoire se déroule, comme il se doit en Wallonie, dans les ruines de la classe ouvrière, où un problème moral, et très actuel, vient bousculer les protagonistes dans leur quotidien.

Au moment de reprendre son travail, après un arrêt pour maladie, Sandra apprend qu’elle sera licenciée à  l’issue d’un vote de ses collègues. Avec l’aide de Manu, son mari, elle a deux jours pour les faire changer d’avis. Si la trame narrative est conforme à  « la pâte Dardenne », on est surpris de voir Marion Cotillard dans le rôle principal. Bien sûr, dans leur précédent film, Le Gamin au vélo, c’est Cécile de France qui avait le rôle principal. Mais comme elle est belge, on pensait à  une amicale exception. Cela confirmait pourtant ce qu’on savait depuis longtemps : les Dardenne sont de très bons directeurs d’acteurs, célèbres ou non.

Aussi, on est ravi de voir le résultat avec une autre très grande actrice. Marion Cotillard se fond parfaitement dans le cadre de leur cinéma, arrivant à  faire oublier aux spectateurs tous ses autres rôles. Elle est juste Sandra, une jeune femme fragile, mère de deux jeunes enfants, travaillant pour payer le pavillon qu’elle a acheté à  crédit avec son mari cuisinier. Presque sans maquillage, avec une trace d’accent belge et un tremblement dans la voix, répétant inlassablement sa détresse et sa demande à  ses collègues. La peur au ventre et sans aucune confiance en elle, elle sonne aux portes, appelle. Pas une fois cela ne sonne faux ou répétitif, comme elle est toujours juste face à  Fabrizio Rongione qui joue son mari.

Deux jours, une nuit, c’est la violence au travail lorsque les conditions sociales et économiques laminent les individus pour des notions de profits et de rentabilité. C’est la fragilité des bons sentiments face au légitime désir de s’en sortir, de toucher un gros chèque pour payer les études des enfants, la facture du gaz. C’est la complexité du quotidien dans une société en crise.

Comme souvent, les réalisateurs ne jugent pas leurs personnages. Il n’y a pas les bons d’un côté et les méchants de l’autre. Il y a de vraies personnes qui font ce qu’elles peuvent. Des colères méchantes et des gestes bouleversants d’entraide. Il y a, dans Deux jours, une nuit, des plans séquences très réussis, des dialogues très simples qui disent beaucoup et surtout, une douceur inhabituelle.

Présenté en compétition officielle au festival de Cannes 2014, Deux jours, une nuit est sorti dans les salles de l’Europe francophone dès le lendemain. Occasion pour le jury œcuménique, qui fête cette année ses 40 ans de présence à  Cannes, de rendre un hommage aux frères Dardenne pour l’ensemble de leur œuvre. Retrouvez tous les détails et photos de cette cérémonie dans le site du Jury œcuménique.

Magali Van Reeth

SIGNIS

de Rachid Bouchareb

avec Forset Whitaker, Brenda Blethyn, Harvey Keitell.

Dans l’aridité d’un paysage désertique, un homme cherche une rédemption que la société et les individus lui refusent. Une belle mise en scène et des acteurs justes pour une question morale toujours d’actualité.

Trois personnages dans les paysages arides du Nouveau-Mexique, dans le sud des États-Unis. Garnett sort de prison, en liberté conditionnelle après 18 années de réclusion pour meurtre et une jeunesse de délinquant. Le shérif Bill Agadi est un monument respecté dans une région où il faut sans cesse s’interposer entre les migrants illégaux et les groupes paramilitaires qui surveillent, illégalement, la frontière. Et Emily Smith, agent chargée de contrôler les détenus en liberté conditionnelle. Peu à  peu, et avec une belle mise en scène, chacun d’eux existe avec plus de densité, plus de complexité à  l’écran.

Pendant ces années de détention, Garnett s’est converti à  l’islam. La religion lui permis de se calmer, d’essayer de sortir de l’engrenage de la criminalité. Il aspire à  une vie simple, une famille, une maison, un chien. On réalise vite que la prière lui permet de canaliser la violence qui le ronge et que sa foi est un outil, plus qu’une une espérance ou une révélation. Le shérif, qui applique avec sérénité la loi face aux problèmes de l’immigration, ne comprend pas comment l’homme qui a tué son adjoint puisse retrouver la liberté au bout de 18 ans. Emily Smith, avec bonhomie et fermeté, va tout faire pour que les provocations de l’un ne pousse pas l’autre à  bout.

Si le réalisateur s’est inspiré du film Deux Hommes dans la ville de José Giovanni (1973), il a su actualiser la douloureuse thématique. Il est toujours aussi difficile pour un condamné de changer de vie, de recommencer sur une autre voie. Les pièges des anciens comparses et le ressentiment des victimes élèvent de nouveaux murs autour de ceux qui cherchent une rédemption. Dans ce film, le mur est physiquement présent puisque c’est celui construit par les Etats-Unis à  la frontière avec le Mexique pour empêcher le passage des migrants. Condamnés pour crimes ou condamnés par la pauvreté, des êtres en perdition se heurtent sans cesse au mur de l’égoïsme, au refus du partage. Comme la justice d’une société se heurte toujours à  celles des individus. Rachid Bouchareb : « Je crois au destin, au mektoub. Quand on a mal enclenché sa vie, il est parfois impossible d’en changer le déroulement implacable. Il y a les damnés de la terre. Dans ce sens le titre du film, La Voie de l’ennemi, est symbolique. L’ennemi est intérieur. Garnett est en effet son pire ennemi. Et c’est ça le cœur du film. »

Malgré quelques maladresses dans le scénario, La Voie de l’ennemi montre bien l’enfermement de ces hommes qui sortent de prison. En liberté conditionnelle ou ayant purgé leur peine, ils sont trop souvent confrontés à  la violence d’une société qui les refuse toujours, à  des individus qui voudraient que la justice d’état soit conforme à  leurs émotions. Deux scènes particulièrement poignantes. Celle où Garnett retrouve sa mère que la douleur a brisée et celle, sans parole, où Garnett, envahi par sa propre violence, ne peut plus prier. Silence de la mère et silence de Dieu, que peuvent faire ces êtres fragiles et défaits lorsqu’il n’y a plus le réconfort de l’amour ?

L’affiche met en avant les acteurs américains Forest Whytaker (Garnett) et Harvey Keitel, parfaits dans leurs personnages mais c’est l’actrice britannique Brenda Blethyn qui est la plus impressionnante. Chez Mike Leigh, en 1996, elle était la mère délabrée et épouvantée de Secrets et mensonges, et avait obtenu le prix d’interprétation féminine au Festival de Cannes pour ce rôle. Ici, à  plus de 60 ans, elle est une époustouflante Emily Smith : ronde et douce dans son apparence physique, ferme et juste dans ses actes. Dans l’une des premières scènes du film, elle apparait, splendide dans son âge et son embonpoint, radieuse dans son sourire, d’un calme contagieux, à  l’égal du coucher de soleil dans le paysage grandiose qui l’enserre… Et la scène où elle engueule le shérif dans son bureau est tout aussi mémorable !

Dans ces décors de western mais au-delà  de tout romanesque, La Voie de l’ennemi pose un problème moral et montre combien les voies de la rédemption sont tortueuses. La méchanceté et la perversion franchissent facilement les murs et les barrières que les hommes ne peuvent escalader.

Magali Van Reeth

SIGNIS